En octobre dernier, j’ai eu la chance de découvrir des pochoirs de NeSpoon dispersés dans la petite station balnéaire de Cefalù en Sicile ! Artiste pluridisciplinaire polonaise, elle s’inspire dans ses œuvres incontournables des motifs traditionnels de dentelle. 

NeSpoon interprète à sa façon, par le street art, cette technique d’artisanat d’art ancestral qui a « un code esthétique universel [avec] des racines profondes dans la plupart des cultures*». Comme elle aime le déclarer, NeSpoon est « née » en 2009 lorsqu’elle a collé sur un mur sa première œuvre en céramique. Elle utilise différents matériaux et techniques comme la céramique, le pochoir ainsi que des installations faites d’élastiques dans l’espace public pour recréer ces motifs. Pour NeSpoon, la dentelle propose « symétrie, ordre et harmonie qui sont des choses auxquelles nous aspirons tous, nous humains* ».
Au-delà du street art, elle travaille également avec la peinture sur toile, la sérigraphie et la porcelaine.

À Invisible Walls, nous connaissions son travail par les grandes fresques qu’elle a peint dans le cadre du festival Poliniza Dos dans le quartier du Cabanyal à Valencia, et devant le musée d’art urbain Urban Nation à Berlin, mais nous n’avions jusqu’alors jamais vu son travail à plus petite échelle et vandale.

J’étais en vacances en Sicile et un jour de balade à Cefalù pour aller à la plage, j’ai été agréablement surprise d’y trouver ces petites œuvres se démarquant dans le paysage. Intriguée, j’ai proposé à NeSpoon une courte interview pour comprendre ce qui l’avait amenée dans cette ville qui n’est pas une destination de street art, et percer le mystère de ses pochoirs

Sur les traces de NeSpoon à Cefalù

NeSpoon m’a confié que quand elle a peint à Cefalù en juillet dernier, elle aussi était en vacances.  Habituellement, elle voyage énormément partout en Europe pour participer à de nombreux festivals d’art urbain ou pour des projets commissionnés. Ce séjour était pour elle un peu différent car elle n’était pas invitée en tant qu’artiste. Mais déformation professionnelle de street artiste oblige, quand on peint en vandale, on laisse sa trace partout sur son passage même en vacances au bord de la mer ! D’ailleurs, hors festival ou commande, NeSpoon peint toujours en vandale. Et quand les festivals d’art urbain lui demandent de ne pas le faire, elle le fait quand même parce que c’est son moyen d’expression artistique. 

Dans sa pratique vandale, NeSpoon adopte une démarche très spontanée. Elle ne fait pas de repérage. Elle se balade de nuit et, dès qu’elle le sent, elle bombe un pochoir. Aussi libre que ça !

À Cefalù, elle a choisi de poser ses œuvres sur les petites portes utilitaires insérées dans les façades des rues et appartenant probablement au service de la ville. Le contraste de ses œuvres sur les surfaces lisses et métalliques de leur support au milieu de la rugosité des façades de pierres fait ressortir ses motifs tout en finesse. Ils apparaissent comme des ornementations du mobilier urbain et soulignent la beauté de l’architecture. 

Durant son séjour, et ses activités nocturnes, elle a rencontré de nombreux siciliens, plutôt jeunes qui étaient très enthousiastes face à son travail. Elle n’a eu aucune réaction négative ni d’altercation avec la police. Ses amis qui l’accompagnaient n’étaient apparemment pas rassurés de la voir peindre illégalement en Sicile, particulièrement à Palerme où elle est restée une journée, m’a-t-elle raconté en rigolant ! 

Elle crée et découpe elle-même ses pochoirs avec la même rigueur, patience et précision qu’une ouvrière de dentelle. La découpe des petits formats lui prend un à deux jours de travail. Cette étape est pour elle la plus importante. D’après elle, on reconnait la patte de l’artiste dans ce travail de découpe manuel du pochoir, alors qu’une découpe au laser le dépersonnaliserait complètement. 

Au moment de la pose, elle fait une, ou deux, couches de peinture. Bien souvent une de blanc puis une de noir, ou inversement. 

Pour ma dernière question, je lui ai demandé un de ses coups de cœur street art sur une œuvre, un artiste, ou une ville en Italie. Elle n’a pas pu choisir et n’a d’ailleurs pas voulu se prononcer car tant d’artistes incroyables ont peint en Sicile ! En revanche elle n’a pas hésité sur sa destination street art préférée : le festival Fame à Grottaglie au sud-est de l’Italie auquel elle a participé en 2011 et qui l’a profondément marquée. C’est selon elle le festival le plus indépendant qu’elle ait fait. De nombreux autres artistes de street art internationalement reconnus y ont peint tels que BLU, Conor Harrington, JR, Swoon, Vhils ou Os Gemeos.

Vous pourrez admirer de nombreuses œuvres de NeSpoon en Italie. Elle y voyage pour y peindre presque tous les ans. Cette année, après son escapade à Cefalù, NeSpoon a participé en septembre au festival Emergence à Oliveri. Elle avait déjà peint une fresque pour l’édition 2018 de ce festival sicilien à Valverde. Et toujours en Sicile, en 2019 elle était à Favara pour la première édition du Countless Cities Biennal organisé par Farm Cultural Park. 

On retourne en Sicile pour les prochaines vacances ?  

Une plongée dans les pensées et l’engagement de NeSpoon

Durant les vingt minutes de notre conversation, NeSpoon modelait un bout de pâte de porcelaine tout en me parlant. Ce petit bout de pâte a vite pris forme en un pétale de son projet au long court « Thoughts ». Depuis 2012, NeSpoon fabrique 50 kg de pétales en porcelaine par an. Chaque pétale lui prend une minute de son temps (ou l’occupe durant une conversation un peu plus longue !) et tous ses pétales sont réunis sur une grande table lors de ses expositions. Les visiteurs peuvent alors les toucher et ressentir un peu des pensées de l’artiste lors de leur fabrication ! Son but ? Avoir 1500 kg de pétales en 2041 !

Le jour de notre rencontre virtuelle, le 30 octobre, a eu lieu une des plus importantes manifestations à Varsovie pour le droit à l’avortement suite à un arrêt rendu le 22 octobre par le tribunal constitutionnel polonais rendant l’avortement quasiment illégal. NeSpoon qui vit dans la capitale polonaise se préparait à y participer plus tard dans l’après-midi. 100 000 personnes se sont réunies ce jour-là et de nombreux artistes étaient présents. L’artiste féministe Ola Jasionowska a notamment conçu un éclair rouge qui est devenu un symbole de ces manifestations. Début décembre, moment où nous publions cet article, les manifestations continuent à Varsovie pour la cinquième semaine consécutive. 

⇒ Retrouvez NeSpoon sur son Instagram, Facebook ou Behance ⇐

J’espère que cet article vous aura plu ! N’hésitez pas à nous laisser vos commentaires  
Et rendez-vous sur @invisiblewalls.eu pour le reste de nos découvertes street art en Sicile, direction Palerme cette fois-ci ! 

*Citations tirées de l’ouvrage Le street art au féminin de Xavier Tapies, aux éditions Graffito Books (2017).
Autre ressource intéressante : NeSpoon Artbook preview.

© Toutes les photos sont d’Invisible Walls.

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Ememem pratique le « flacking », terme qu’il a lui-même inventé* pour parler de son premier « rebouchage » de trou ! Pour ce petit article, nous voulions vous parler de cet artiste à la technique bien particulière.

Eh oui, il créé des œuvres d’art qui permettent de combler ou de réparer un bout de trottoir, et parfois de mur. Truelle en main, il utilise la mosaïque et la céramique pour apporter de petites touches de poésie et de couleurs à nos rues tout en allégeant le travail du service de la voirie !!

Intriguées depuis quelques temps déjà par sa technique et les étapes de réalisation de ses œuvres, nous avons contacté Ememem qui a accepté de nous répondre par écrit pour garder son anonymat. Il nous a expliqué son travail et sa démarche de création, non sans ajouter une bonne dose d’humour à son message !

Ememem choisit ses emplacements au hasard de ses balades. Il se laisse aller aux bruits de la ville et reste attentif aux trous qui lui parlent et l’inspirent, parce que comme il le dit si bien, il y a des trous qui « vibrent et d’autres pas » !

Pour le choix du motif et des couleurs, la magie opère dans les discussions intimes entre l’artiste et son sujet. C’est donc mystère et boule de gomme, nous n’en sauront pas plus…

La plupart des œuvres d’Ememem sont vandales. La question qu’on se pose alors est : comment est-ce qu’il s’y prend pour créer in situ des œuvres sur-mesure et si minutieuses sur la voie publique, sans être interrompu ?

La réponse est simple, il n’y a pas de recette miracle il travaille de nuit pour pouvoir s’isoler. Et il ne s’est jamais senti en position d’illégalité. En rebouchant les nids-de-poule d’une ville, est-il dans une forme de vandalisme qui présuppose une atteinte à l’espace public ?
Les quelques fois où Ememem a rencontré la police, ils sont repartis sans le verbaliser. Ils l’ont même parfois encouragé !

Quant à son temps de création, c’est assez relatif puisqu’il peut y consacrer entre une heure et six heures afin de redonner un coup de jeune à un trou ! Tout dépend de la météo, de la taille du flacking, des matériaux utilisés (tous issus de récupération), des conditions initiales du nid-de-poule, etc. La dernière étape du processus, celle du séchage, est toujours la plus longue.

En bref, l’artiste œuvre en toute liberté, dans l’anonymat et la solitude de la nuit.

Pour nous, ses œuvres sont de petites pépites sur lesquelles nous tombons par hasard dans les rues de Paris. Elles illuminent notre journée autant que la fameuse grisaille parisienne. Alors nous remercions Ememem pour ses œuvres et ses réponses qui nous ont bien fait rire !

→ L’instagram de l’artiste pour voir encore plus d’œuvres ←

On espère que les flackings que vous rencontrerez sur vos trottoirs vous feront le même effet, et que cet article vous aura permis d’identifier ou de découvrir cette technique 

Un autre artiste bien connu de la scène internationale utilise une technique similaire pour « réparer » des murs abîmés, à l’aide de légo cette fois-ci ! Il s’agit de Jan Vormann et on vous laisse découvrir son travail par ici.

*Selon certaines légendes urbaines, le terme serait apparu lors d’une soirée quelque peu arrosée et Ememem l’aurait gardé pour parler de sa pratique.

© Toutes les photos sont d’Invisible Walls.

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Maye est un artiste français qui opère dans l’espace public. Il a commencé par le graffiti pour ensuite évoluer dans le milieu plus institutionnalisé du street art international. Ses œuvres murales sont peuplées de personnages filiformes, décharnés et son univers est un complexe entrelacement de détails qui incarnent un équilibre fragile.

Inspiré par les cultures urbaines et nomades, les graffitis recouvrent ses villes, les tatouages décorent ses personnages, la musique et les jeux rythment son univers. Le résultat nous plonge dans les tréfonds d’un imaginaire atypique et emplit de poésie.

Les fresques de Maye sont constituées comme des récits qu’il faut prendre le temps de contempler pour en apprécier tout le contenu. Le message qui transparaît dans son travail fait souvent référence à l’écologie et aux dérives de la modernité de nos sociétés humaines.

L’une de ses fresques est visible à Paris dans le 13e arrondissement, au 131 boulevard Vincent Auriol, réalisée dans le cadre du projet Boulevard Paris 13. Elle évoque la Camargue, dont il est originaire.

Découvrez son travail par ici !

Cet article a été publié initialement pour Artenders, média d’art contemporain français et incubateur artistique.

Photo de couverture : peinture sur toile de Maye, présentée lors de l’exposition collective « Walking down the boulevard » (2019) à la galerie Itinerrance, à Paris.

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Cet automne nous avons eu l’opportunité à Londres de redécouvrir le travail de PichiAvo lors du vernissage de leur exposition « Marbles and Bronzes » à la galerie Stolen Space, en plein cœur de Shoreditch.

PichiAvo est un duo d’artistes qui mêle l’art classique et le graffiti en s’inspirant des maîtres de la sculpture antique et des précurseurs du graffiti des années 70-80 aux Etats-Unis. Ils ont étudié les Beaux-Arts et le Design et se sont rencontrés sur la scène valencienne du graffiti. Pichi et Avo (ou Juan Antonio and Alvaro) ont ensuite décidé de laisser de côté « l’égo de l’artiste » comme ils aiment le déclarer, pour travailler en totale collaboration depuis 2007 et se concentrer uniquement sur le résultat de l’œuvre.

« Marbles and Bronzes » est construite comme une étude des sculptures de la période classique, spécifiquement celles en marbre et bronze.

Plusieurs dessins en noir et blanc sont exposés ainsi que de nombreuses toiles. Et puis une œuvre en 3D est magistralement posée au centre de la galerie, comme une miniature des sculptures qu’ils représentent au travers de toutes leurs œuvres.

PichiAvo rend hommage à ces sculptures classiques exceptionnelles. Ils redonnent vie à ces figures mythiques et statues qui étaient en leur temps recouverte de couleur ! Au fil du temps la couleur a disparue et nous associons aujourd’hui la beauté de ces sculptures classiques à leur blancheur. PichiAvo leur rend couleurs et les réinterprète au goût du jour au travers d’un art contemporain urbain !

Dans leur travail très prolifique, ils mixent les techniques et les supports : murs, toiles, statues… Leur coup de bombe aérosol et de pinceau est presque translucide et le travail des détails est extrêmement minutieux, jusqu’à finir certaines de leurs œuvres par des feuilles d’or.

Petite marque de fabrique, l’ampoule qu’on retrouve sur toutes leurs œuvres comme une petite signature tag, est le symbole de l’idée et de la créativité : « C’est un élément familier que tout le monde reconnaît et qui disparaît peu à peu avec les nouvelles technologies, malgré les tentatives pour maintenir sa place » (Interview de PichiAvo pour Graffiti Street).

Artistes aujourd’hui très reconnus, ils ont participé à de nombreux festivals et évènements de street art à l’international : POW WOW festival, deuxième plus grande fresque du monde à Porto en collaboration avec Vhils, ouverture de l’Urban Nation à Berlin, et puis ils ont fait leurs débuts à Londres avec l’exposition « In Gods We Trust » en 2017 à la galerie Unit.

Quant à nous, nous les avions découvert lors de leur exposition dans le Cloître du Centre Culturel du Carmen de Valencia en 2019. Les images sont folles et l’association des graffiti dans ce lieu patrimonial était assez magique. Et puis la même année ils ont réalisé la grande Falla de Valencia, sculpture de 26 mètres de haut !

Bref, on est fans ! Entre histoire et street art, l’association de ces thèmes est à nos yeux passionnante et c’est d’ailleurs ce qui nous unit à Invisible Walls 

Stolen Space est une galerie de l’artiste londonien D*Face qui expose depuis 11 ans des artistes d’art contemporain urbain. Les expositions changent régulièrement et dernièrement on y a vu les œuvres de D*Face bien évidemment, mais aussi de Maye, Kai & Sunny et Brusk entre autres.
Les vernissages y sont toujours très sympathiques et c’est l’occasion d’aller discuter avec les artistes en face à face ou… en instagram live : découvrez le live vidéo entre PichiAvo et les personnes présentes au vernissage.

L’exposition est à découvrir jusqu’au 1^er Novembre 2020 à la galerie Stolen Space :
17 Osborn Street
E1 6TD LONDON
Ouvert de 11h à 18h du jeudi au dimanche, ou sur rendez-vous le mardi et mercredi.

© toutes les photos de cet article sont d’Invisible Walls.

→ Pour aller plus loin, on vous recommande la découverte d’un autre artiste valencien : JANK !

L’article <p class="has-medium-font-size">Portrait de PichiAvo à l’occasion de leur exposition « Marbles and Bronzes » à la galerie Stolen Space à Londres est apparu en premier sur Invisible Walls.

Grande nouvelle qui nous a mis du baume au cœur tout l’été : nous avons sorti nos stickers Invisible Walls pour envahir nos villes – et les vôtres

Comme vous l’avez peut-être observé, ils sont inspirés de la jolie bannière de notre blog ! Le motif est tiré d’une photo d’azulejos de Lisbonne. Ce sont des carreaux de faïences traditionnels d’Espagne et du Portugal qui recouvrent souvent les façades des immeubles.

Ça nous semblait logique de nous prendre au jeu du street art, en développant notre propre petite œuvre. Nous avons intégré un QR code pour vous permettre d’accéder à notre site directement et pour multiplier les portes d’entrées vers nos murs invisibles.

Pour la conception nous avons collaboré avec Cali O, un jeune artiste anglais autodidacte et pluridisciplinaire. Il décline sa pratique artistique entre graphisme, street art et céramique sur une palette de motifs contrastés bleus et rouges inspirés des mandalas.

À vos murs et vos appareils photos !!

N’hésitez pas à nous écrire si vous souhaitez recevoir votre petit lot par la poste, et reposter les photos de vos collages en n’oubliant pas de nous taguer sur insta @invsiblewalls.eu et #invisiblewalls !

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Photographe et artiste de référence, Thomas Jorion capture la beauté des ruines et des patrimoines oubliés. Sur la terrasse d’un café au bord du canal de l’Ourcq, on a balayé ses souvenirs de jeunesse et on a discuté de son expérience vandale, inhérente à sa démarche d’urbex.

De ses premières explorations urbaines jusqu’à l’affirmation de sa carrière artistique, on a voulu connaître les détails de deux de ses projets qui nous ont tout particulièrement marqués : La Ligne Oubliée et la Piscine Molitor.

Focus de la série La Ligne Oubliée, la Petite Ceinture est une ancienne ligne de chemin de fer qui entoure Paris. Elle mesure 32 kilomètres et desservait au XXe siècle une trentaine de gares. Aujourd’hui désaffectée, les gares sont réhabilitées en lieux culturels et la ligne est devenue une promenade.

A Paris également, dans le 16e arrondissement, la Piscine Molitor qui était la fois une piscine et un sublime bâtiment Art déco. Fermée en 1989, elle est inscrite au titre des monuments historiques en 1990 mais abandonnée, elle s’est transformée en un haut lieu du graffiti vandale parisien jusqu’aux années 2000. Le lieu a finalement été restauré en 2014 en hôtel de luxe.

Pour cette interview, nous nous sommes associées avec la jeune plateforme Artenders. Média d’art contemporain investi dans la promotion d’artistes français et dans la consolidation d’un réseau de professionnels et de passionnés. Pour découvrir leur portrait vidéo de Thomas Jorion, c’est ici !

Pour ma part, j’ai découvert le travail de Thomas Jorion pendant mon stage au Centre des monuments nationaux l’année dernière, lorsque je coordonnais une exposition au château François Ier de Villers-Cotterêts. Avant restauration, Thomas Jorion était venu immortaliser l’intérieur de ce patrimoine de la Renaissance pour témoigner de son histoire tumultueuse et de l’héritage patrimonial qu’il représente.

Je suis ravie d’avoir pu le rencontrer à nouveau dans le cadre d’Invisible Walls pour cette interview passionnante. Bonne lecture 

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1. Pourquoi est-ce que tu photographies des ruines ?

C’est arrivé par hasard. J’ai grandi dans le Val-de-Marne, à Champigny-sur-Marne, et à l’époque j’avais une certaine passion pour les films du type Indiana Jones ou les Goonies. Je m’étais fait des copains dans cet univers-là et on aimait bien aller après l’école ou à la pause-déjeuner dans un garage abandonné à côté du collège. On se faisait un peu peur, on fumait des cigarettes… Et finalement, c’est quelque chose qui a perduré. On a fait des recherches dans la région, en allant même à la mairie, au service des cartes pour voir s’il y avait d’autres bâtiments ou zones désaffectées dans le secteur. Et puis on a grandi. Après le bac j’ai fait du droit sans grande passion et j’ai acheté un appareil photo. Spontanément j’ai eu envie de photographier les ruines. Il y avait je pense une volonté de les sauvegarder, parce que j’avais le sentiment de photographier des bâtiments qui allaient s’effondrer ou s’endommager.
On ne parlait pas d’urbex à cette époque-là. Aujourd’hui, c’est un terme pratique.

2. Quelles ont été tes premières explorations ?

On s’ennuyait beaucoup, on n’avait pas les jeux vidéo, internet. On allait donc souvent dans le garage abandonné à côté du collège, sur les bords de Marne. L’architecture en elle-même n’était pas très intéressante mais c’était chouette d’y monter. Je me rappelle qu’on pouvait escalader jusqu’au toit en passant dans un trou avec une corde. Ça, c’était sympa ! Et plus près de chez moi, il y avait une maison du début XIXe. Il y avait un petit kiosque et une marquise à l’entrée, et un escalier en bois qui montait dans les étages. Ça, c’était plus fort parce que c’était un intérieur résidentiel.
Voilà les deux premiers endroits que j’ai explorés très jeune. Par la suite, j’ai déménagé en Seine-et-Marne et j’ai exploré des châteaux. Celui de Lesigny par exemple, et le château de Malnoue, du côté de Pontault-Combault.

3. Comment est-ce que tu choisis les lieux que tu photographies ?

Au début c’était photographier des ruines pour des ruines. D’un entrepôt, par exemple celui des douanes qui est à Pantin, jusqu’à La Petite Ceinture en passant par la Belgique, des usines, des maisons, ou des villas en Italie. C’était quelque chose qui ne se faisait pas vraiment dans la photographie.
À un moment, j’ai pris conscience qu’il fallait organiser ça en séries ou en thématiques. Il fallait coudre ça avec l’histoire. Je pense que l’exemple le plus important était cette série sur les vestiges de l’Empire colonial français que j’ai photographié de 2013 à 2016 : Vestiges d’Empire. C’était intéressant de revenir sur ces traces du passé. Quand le colonisateur construit un abattoir à Casablanca, il fait quelque chose qui va rester dans le temps par un style architectural, par le fait que tout d’un coup c’est l’Europe qui construit au Maghreb.

4. Quel est ton rapport avec le street art ?

J’étais au collège dans les années 1988-89. C’était le début du rap, de la culture hip-hop en France, et j’avais des copains qui commençaient à faire des tags dans la rue. C’était chouette !

Tu as essayé ?

Pas beaucoup et pourtant c’est quelque chose que j’aime bien, qui me touche, qui me parle !

Et évidemment, les ruines sont des lieux d’expression pratiques. Je pense que dans un premier temps ça m’a gêné parce que j’aimais bien le côté immaculé des ruines. Mais ça dépend des contextes. Je prends l’exemple de la Petite Ceinture, je trouve que c’est un élément [le graffiti] qui apporte beaucoup. J’aime énormément retrouver ça dans certains endroits.

Je me souviens par exemple de l’usine Sudac d’air comprimé dans le 13^ème, vers la porte d’Ivry, sur les bords de seine. Aujourd’hui c’est une école d’architecture [École Nationale Supérieur d’Architecture Paris Val-de Marne – ENSAPVS] mais à l’époque, quand c’était une ruine c’était une cathédrale de tags. C’était vraiment mortel dans ce lieu industriel ! Ça, ça me plaisait !

Est-ce qu’il y a des artistes ou des œuvres de street art qui t’ont marqué ?

Je pense à l’artiste André à l’époque où tout d’un coup les mecs ont commencé à développer une autre forme et à se démarquer parce que je pense que ça reste actuel. On cherche toujours à se démarquer par un nom, un lettrage ou par un positionnement.

5. A quel point ta pratique est vandale ? Et quelle est la part de tes projets commissionnés ?

90 ou 95% de ce que je fais est sans autorisation parce que c’est trop compliqué d’avoir des autorisations. Il faut identifier un propriétaire, expliquer sa démarche, et puis il y a les questions d’assurances aussi… Maintenant, commençant à être connu on m’a proposé des commissions, souvent des cartes blanches qui sont un état des lieux avant transformation. Par exemple le château de Villers-Cotterêts, dans un tel état de délabrement qu’il aurait très bien pu être photographié comme de l’urbex.

Est-ce que tu es attiré par le côté vandale ?

C’est évident, ça n’a rien à voir ! L’adrénaline fait que tu as une acuité qui est vraiment décuplée et que tu vas à l’essentiel. J’ai même parfois du mal à faire le même rythme d’image quand c’est commissionné. Pour moi, c’est évident de faire ça en mode vandale. J’ai accès à des lieux où je n’aurais jamais accès d’une autre manière.

Artenders : ce qui me touche dans tes productions c’est qu’on ne voit jamais l’homme mais on le sent toujours. Peut-être que justement, avec cette autorisation, il y a une place de l’homme qui est différente parce que le lieu n’est plus abandonné au final. De la même manière, le street art vient perturber cet abandon dans tes peintures… Tes photos pardon ! C’est marrant que je dise peinture parce que certaines en ont vraiment l’air !

Très souvent les gens ont l’impression de voir des peintures ! Je pense que c’est le fait d’utiliser le négatif-couleur, les grands plans-films que j’utilise dans la chambre et puis le tirage sur papier fine art un peu coton qui donne vraiment cette impression.

Le graffiti tout d’un coup va ôter le côté immaculé. On va moins facilement voyager dans le lieu, dans l’image parce qu’il y a une forme d’appropriation. Ça ramène tout d’un coup à une actualité.

6. J’aimerais discuter d’un de tes premiers projets : la Petite Ceinture. Pourquoi as-tu eu envie de l’explorer ?

Je l’ai découvert très tôt avec ce même groupe d’amis quand on cherchait un accès aux catacombes. Le cousin d’un copain nous avait dit qu’il y avait un accès dans le sud de Paris, depuis une voie ferrée désaffectée. On n’avait pas de GPS, pas d’internet et c’est quand même une ligne qui fait plus de 30 km. Elle est un peu cachée par endroits, en tunnel ou en hauteur, donc on ne l’a pas trouvée directement. On a fini par trouver un accès plus au nord, vers Porte de Clichy. J’ai retrouvé les photos que j’avais faite à l’époque en argentique, les tunnels à cette époque-là étaient encore éclairés. C’était la fin du trafic ferroviaire [1996] mais ça paraissait encore hyperactif donc nous on s’attendait à tout moment à tomber sur un train, ou rencontrer des gens… on était vraiment au maximum de l’adrénaline.

Ensuite le hasard a fait que j’y suis retourné plusieurs fois. J’ai emménagé dans le 19^e arrondissement au début des années 2000 et j’ai commencé à explorer toute cette partie-là. Je me mettais de plus en plus à la photographie à ce moment-là et je testais des appareils dans ces zones désaffectées. J’avais le sentiment que c’était un univers qui allait changer, évoluer ou disparaître. Je l’aime énormément telle qu’elle est aujourd’hui : abandonnée, sauvage et taguée. C’est un des rares endroits où tu n’entends plus le bruit de la ville. Il y a un vrai dépaysement temporel.

7. Est-ce que tu peux nous raconter ton expérience à la Piscine Molitor ?

Je l’avais découvert en allant visiter les serres d’Auteuil, un autre endroit désaffecté moins connu. Au loin j’avais vu un bâtiment complètement graffé et taggué. C’était la piscine Molitor mais elle était complètement fermée. Et puis, j’ai trouvé un copain pour qu’on y aille ensemble, vers 2010. Pour y accéder il fallait un peu s’organiser. On est arrivés de nuit à 5h du matin avec une échelle sur la voiture. On est monté par le toit, on est rentrés et on a attendu que le jour se lève pour faire des photos. Et on s’est aperçus qu’il y avait quelqu’un. On a cru que c’était un gardien mais en fait c’était un artiste qui vivait là. Il permettait de réguler un peu le lieu. C’était une période où c’était un peu plus organisé. Avant ça, je crois que c’était grand ouvert et beaucoup de street-artistes y sont allés.
Donc j’y suis d’abord allé à l’arrache en mode vandale de nuit, et deux ans après j’ai pu y retourner de façon officielle pour faire un état des lieux avant transformation. Là, j’avais les clés du lieu pour moi tout seul. L’artiste qui gardait le lieu était parti.

Aujourd’hui, c’est devenu un hôtel palace. Ils ont dû démolir 90% du bâtiment pour le reconstruire à l’identique, ce qui leur permet de continuer à relayer l’histoire.

8. Est-ce qu’il y a d’autres lieux abandonnés à Paris ou dans le Grand Paris que tu n’as pas exploré ou dans lesquels tu aimerais retourner ?

Je ne connais pas tout et il y a toujours des petits lieux qui s’ouvrent, des immeubles, des usines… Par exemple, en ce moment il y a une usine dans le sud de Paris en cours de démantèlement. Et puis, je continue d’aller sur la Petite Ceinture de temps en temps. J’y suis allé il n’y a même pas un mois. Ce qui me plaît avec la Petite Ceinture c’est qu’à toutes les époques de ma carrière elle m’a toujours apporté de nouvelles choses. Quand j’ai eu envie de photographier de l’architecture, il y avait des choses à y trouver.  Si je cherchais de l’humain, il y a des gens qui y habitent. C’est ça que j’aime beaucoup dans cette Petite Ceinture et qui va petit à petit disparaître. C’est un lieu de liberté où on peut aller faire ce qu’on veut. D’ailleurs, tu me demandais si j’étais allé tagguer : je m’étais essayé au pochoir, j’avais oublié ! À un moment j’ai eu envie de pochoir, je me suis baladé sur la petite ceinture de nuit et j’ai fait des pochoirs !

Comme d’habitude, on vous propose quelques ressources supplémentaires pour approfondir le sujet :

– Le site internet de Thomas Jorion pour découvrir l’exhaustivité de son travail

– The Forgotten Line, un article en anglais sur la Petite Ceinture pour un média d’architecture et d’urbansime

– Molitor, Ceci n’est pas une pisicine, Ludovic Roubaudi & Thomas Jorion (2019) : un ouvrage retraçant l’histoire de la piscine Molitor avec les photographes de Thomas Jorion. En français et en anglais.

Bonus : un article sur ce même ouvrage ici.

– « Molitor, une plongée dans l’art urbain » : un article sur le graff à la piscine Molitor

– Une vidéo-portrait YouTube qui présente le projet de Thomas Jorion, Vestiges d’Empire.

– Une petite vidéo dans laquelle on suit Thomas Jorion sur la Petite Ceinture

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Propos recueillis par Invisible Walls, avec la collaboration de Artenders.

L’article <p class="has-medium-font-size">Thomas Jorion – Petite ceinture et Piscine Molitor, des ruines sublimées par le photographe est apparu en premier sur Invisible Walls.

Street-artiste valencien, JANK s’apparente à ceux qu’on aime appeler les envahisseurs sans pour autant se restreindre à cette pratique. Dans cet article, je souhaitais aborder, au-delà du récit plus classique d’un parcours et d’une démarche artistique, une expérience inhérente au street-art : celle du vandalisme.

Ceci n’est pas un portrait d’artiste

El Señor Jank a conquis les quartiers du centre-ville et de la Saïdia en recouvrant l’espace public par des stickers et des collages représentant les contours graphiques d’une tête de félin, à l’effigie de l’un de ses chats noirs et blancs. C’est ce symbole qui le rend particulièrement reconnaissable. Si vous êtes à Valencia, il y a fort à parier que si vous ne le connaissiez pas, vous ne pourrez désormais plus tourner le regard sans croiser l’une de ses œuvres. Sinon, peut-être que le hasard vous mènera à retrouver l’une d’elles à Paris, Bruxelles, Bordeaux, Prague ou encore, Bologne, Nantes, Bonn ou encore Lisbonne…

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Jank crée dans la rue depuis 2018. L’idée lui est venue spontanément, guidée par sa curiosité et son amour des stickers.

Il n’y avait rien de prémédité, je fais les choses comme je le sens et comme elles attirent mon attention. Mettre des choses dans la rue est une façon plus visible de partager ce que je fais. C’est le jeu, n’est-ce pas ? Comme ceux qui font des tags là-bas. La seule chose est que, comme il ne s’agit pas juste d’un tag, peut-être que cela attire davantage l’attention parce qu’on ne sait pas ce que ce « chat » représente.

Jank

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L’une de ses principales particularités : il réalise ses têtes de chat à la main. Il pourrait en imprimer des quantités plus importantes et en afficher encore plus. Mais il préfère les dessiner lui-même !

Ce que j’apprécie vraiment chez lui, c’est qu’il n’a de cesse d’innover dans ses techniques. Adepte du collage et de la photographie, il se renouvelle en mélangeant les styles et les figures. Du reste, il use tantôt du graphisme et du dessin, puis intègre des clichés de personnages de la vie réelle qu’il retouche pour en faire des montages. Dans le quartier del Carmen, vous remarquerez peut-être : un cosmonaute flottant avec un chat dissimulé derrière la visière, un bébé dont le visage a été remplacé par une tête singe, un touriste photographiant son emblème d’artiste ou encore ses deux petits chats côte à côte.

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Ce sont nos passions communes pour le street-art, Valencia et les chats qui nous ont permis de nous rencontrer et de discuter. Je ne m’étais encore jamais prêtée au jeu du street-art, en allant apposer clandestinement des œuvres dans la rue. En tant qu’amatrice passionnée par cette pratique artistique, je trouve que l’expérience me manquait. Le vandalisme c’est l’essence du street art. Tous les street artistes ont, ou ont eu, une pratique vandale avant d’accéder aux galeries et aux institutions. Investir la rue, c’est en quelque sorte s’ériger en autodidacte.

Jank : un savoir-faire de vandale

Cet été donc, Jank m’a gentiment proposé de choisir une photo de mon chat pour l’imprimer et l’afficher dans le Cabanyal, où il n’avait lui-même encore jamais apposé sa signature. Doublement enthousiaste (c’est mon endroit préféré de la ville), on s’est finalement retrouvés un lundi soir, en plein mois de février, pour être sûrs de croiser le moins de gens possible. Nous voilà, armés d’une pile d’œuvres-papier, prêts à encoller dans tout le quartier !

Dans un grand sac Mercadona, il avait placé : un sceau, un petit balai, une bouteille d’eau, un sachet de colle en poudre, et ses œuvres. Cette organisation répond à deux objectifs : coller vite et discrètement. Il n’a ensuite plus qu’à verser l’eau et la colle dans le sceau et mélanger le tout à l’aide de son petit balai.

Avant de rentrer dans le vif de l’action, Jank doit réfléchir à un emplacement pour interpeller les gens. Certains collages s’inscrivent dans la démarche d’« invasion » et devront pouvoir être repérés instantanément. Il doit également tenir compte de la durée de vie de l’œuvre. Pour les protéger un peu des intempéries, il privilégiera les recoins légèrement couverts, sous un rebord par exemple. S’il a le temps et une perche assez longue, il essaiera de les placer bien en hauteur, hors de la portée de ceux qui pourraient vouloir l’arracher ou taguer par-dessus.

D’autre part, certaines œuvres ont été pensées pour interagir avec l’environnement. C’est un procédé récurrent dans l’art urbain et c’est une façon plus ludique d’attirer l’attention des passants. Dans la Saïdia, il a placé contre une double porte en métal un CRS muni d’un bélier prêt à la charge. Le rendu est plus vrai que nature !

Et c’est avec le même procédé que nous avons intégré la photographie de mon chat. Jank aperçoit au loin l’encadrement d’une porte, au milieu d’un mur de béton, dans une ruelle déserte proche de la plage. Il trempe son balai dans la colle, sort l’impression de mon chat qu’il place sur le balai, vise l’emplacement, colle la photo avant de repasser dessus et de bien lisser. Quelques retouches et le tour est joué ! Le geste est furtif, on dirait presque une chorégraphie : ça a duré 10 secondes à peine. Résultat, on dirait que mon chat est allongé sur le coin de cette porte, à nous contempler malicieusement ou à surveiller les passants dans la rue. Désormais, où que je sois, à Valencia à Paris, il sera toujours là, chez moi

>>> notre article sur le street-art dans les quartiers du Cabanyal-Canyamelar <<<

A la conquête du Cabanyal

Ensuite, on a arpenté les rues en quête d’autres spots en transportant le sceau plein de colle avec le reste du matériel, bien camouflés par le sac de courses au cas où on croiserait la police.

Pour l’affichage des têtes de chat, il lui a fallu 3 secondes à peine, j’en suis témoin ! Il a l’habitude et ce type de collage est plus simple que d’autres œuvres au format plus large et aux contours moins linéaires mais c’est tout de même assez impressionnant. Pour une œuvre plus grande et dont l’emplacement et la disposition sont cruciaux pour lui donner du sens, il se serait probablement cantonné à un secteur avec lequel il est plus familier. Et il n’en aurait collé qu’une seule. En cela, Jank est une âme prudente et tout aussi spontanée. Il est du genre à être inspiré subitement par un endroit, où il retourne alors presque immédiatement pour y placer l’œuvre qui, selon lui, entre en adéquation.

L’avantage, c’est qu’il a pu en coller une petite dizaine dans le quartier ce soir-là, et en très peu de temps. Espérons que cela a également été l’occasion de faire du repérage pour qu’il s’y aventure à nouveau…

Les quelques témoins présents dans la rue n’ont pas eu de réactions. D’après son expérience, les gens réagissent rarement ou seulement par curiosité et intérêt bienveillant.  Nous n’avons pas non plus croisé la police, par chance !

J’espère que ce récit personnel vous aura permis de vous familiariser, au-delà de votre imaginaire, avec le travail d’un artiste et la pratique vandale. Si le sujet vous a plu, nous projetons d’en approfondir certains aspects bientôt 

Remerciements à Jank de m’avoir laissé l’accompagner ce soir-là, d’accepter de répondre à mes milliards de questions et à ces moments de partage autour d’une bière !

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• en art urbain @curiosity_2
• en photographie @genk_st

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