En octobre dernier, j’ai eu la chance de découvrir des pochoirs de NeSpoon dispersés dans la petite station balnéaire de Cefalù en Sicile ! Artiste pluridisciplinaire polonaise, elle s’inspire dans ses œuvres incontournables des motifs traditionnels de dentelle. 

NeSpoon interprète à sa façon, par le street art, cette technique d’artisanat d’art ancestral qui a « un code esthétique universel [avec] des racines profondes dans la plupart des cultures* ».Comme elle aime le déclarer, NeSpoon est « née » en 2009 lorsqu’elle a collé sur un mur sa première œuvre en céramique. Elle utilise différents matériaux et techniques comme la céramique, le pochoir ainsi que des installations faites d’élastiques dans l’espace public pour recréer ces motifs. Pour NeSpoon, la dentelle propose « symétrie, ordre et harmonie qui sont des choses auxquelles nous aspirons tous, nous humains* ».
Au-delà du street art, elle travaille également avec la peinture sur toile, la sérigraphie et la porcelaine.

À Invisible Walls, nous connaissions son travail par les grandes fresques qu’elle a peint dans le cadre du festival Poliniza Dos dans le quartier du Cabanyal à Valencia, et devant le musée d’art urbain Urban Nation à Berlin, mais nous n’avions jusqu’alors jamais vu son travail à plus petite échelle et vandale.

J’étais en vacances en Sicile et un jour de balade à Cefalù pour aller à la plage, j’ai été agréablement surprise d’y trouver ces petites œuvres se démarquant dans le paysage. Intriguée, j’ai proposé à NeSpoon une courte interview pour comprendre ce qui l’avait amenée dans cette ville qui n’est pas une destination de street art, et percer le mystère de ses pochoirs

Sur les traces de NeSpoon à Cefalù

NeSpoon m’a confié que quand elle a peint à Cefalù en juillet dernier, elle aussi était en vacances.  Habituellement, elle voyage énormément partout en Europe pour participer à de nombreux festivals d’art urbain ou pour des projets commissionnés. Ce séjour était pour elle un peu différent car elle n’était pas invitée en tant qu’artiste. Mais déformation professionnelle de street artiste oblige, quand on peint en vandale, on laisse sa trace partout sur son passage même en vacances au bord de la mer ! D’ailleurs, hors festival ou commande, NeSpoon peint toujours en vandale. Et quand les festivals d’art urbain lui demandent de ne pas le faire, elle le fait quand même parce que c’est son moyen d’expression artistique. 

Dans sa pratique vandale, NeSpoon adopte une démarche très spontanée. Elle ne fait pas de repérage. Elle se balade de nuit et, dès qu’elle le sent, elle bombe un pochoir. Aussi libre que ça !

À Cefalù, elle a choisi de poser ses œuvres sur les petites portes utilitaires insérées dans les façades des rues et appartenant probablement au service de la ville. Le contraste de ses œuvres sur les surfaces lisses et métalliques de leur support au milieu de la rugosité des façades de pierres fait ressortir ses motifs tout en finesse. Ils apparaissent comme des ornementations du mobilier urbain et soulignent la beauté de l’architecture. 

Durant son séjour, et ses activités nocturnes, elle a rencontré de nombreux siciliens, plutôt jeunes qui étaient très enthousiastes face à son travail. Elle n’a eu aucune réaction négative ni d’altercation avec la police. Ses amis qui l’accompagnaient n’étaient apparemment pas rassurés de la voir peindre illégalement en Sicile, particulièrement à Palerme où elle est restée une journée, m’a-t-elle raconté en rigolant ! 

Elle crée et découpe elle-même ses pochoirs avec la même rigueur, patience et précision qu’une ouvrière de dentelle. La découpe des petits formats lui prend un à deux jours de travail. Cette étape est pour elle la plus importante. D’après elle, on reconnait la patte de l’artiste dans ce travail de découpe manuel du pochoir, alors qu’une découpe au laser le dépersonnaliserait complètement. 

Au moment de la pose, elle fait une, ou deux, couches de peinture. Bien souvent une de blanc puis une de noir, ou inversement. 

Pour ma dernière question, je lui ai demandé un de ses coups de cœur street art sur une œuvre, un artiste, ou une ville en Italie. Elle n’a pas pu choisir et n’a d’ailleurs pas voulu se prononcer car tant d’artistes incroyables ont peint en Sicile ! En revanche elle n’a pas hésité sur sa destination street art préférée : le festival Fame à Grottaglie au sud-est de l’Italie auquel elle a participé en 2011 et qui l’a profondément marquée. C’est selon elle le festival le plus indépendant qu’elle ait fait. De nombreux autres artistes de street art internationalement reconnus y ont peint tels que BLU, Conor Harrington, JR, Swoon, Vhils ou Os Gemeos.

Vous pourrez admirer de nombreuses œuvres de NeSpoon en Italie. Elle y voyage pour y peindre presque tous les ans. Cette année, après son escapade à Cefalù, NeSpoon a participé en septembre au festival Emergence à Oliveri. Elle avait déjà peint une fresque pour l’édition 2018 de ce festival sicilien à Valverde. Et toujours en Sicile, en 2019 elle était à Favara pour la première édition du Countless Cities Biennal organisé par Farm Cultural Park. 

On retourne en Sicile pour les prochaines vacances ?  

Une plongée dans les pensées et l’engagement de NeSpoon

Durant les vingt minutes de notre conversation, NeSpoon modelait un bout de pâte de porcelaine tout en me parlant. Ce petit bout de pâte a vite pris forme en un pétale de son projet au long court « Thoughts ». Depuis 2012, NeSpoon fabrique 50 kg de pétales en porcelaine par an. Chaque pétale lui prend une minute de son temps (ou l’occupe durant une conversation un peu plus longue !) et tous ses pétales sont réunis sur une grande table lors de ses expositions. Les visiteurs peuvent alors les toucher et ressentir un peu des pensées de l’artiste lors de leur fabrication ! Son but ? Avoir 1500 kg de pétales en 2041 !

Le jour de notre rencontre virtuelle, le 30 octobre, a eu lieu une des plus importantes manifestations à Varsovie pour le droit à l’avortement suite à un arrêt rendu le 22 octobre par le tribunal constitutionnel polonais rendant l’avortement quasiment illégal. NeSpoon qui vit dans la capitale polonaise se préparait à y participer plus tard dans l’après-midi. 100 000 personnes se sont réunies ce jour-là et de nombreux artistes étaient présents. L’artiste féministe Ola Jasionowska a notamment conçu un éclair rouge qui est devenu un symbole de ces manifestations. Début décembre, moment où nous publions cet article, les manifestations continuent à Varsovie pour la cinquième semaine consécutive. 

⇒ Retrouvez NeSpoon sur son Instagram, Facebook ou Behance ⇐

J’espère que cet article vous aura plu ! N’hésitez pas à nous laisser vos commentaires  
Et rendez-vous sur @invisiblewalls.eu pour le reste de nos découvertes street art en Sicile, direction Palerme cette fois-ci ! 

*Citations tirées de l’ouvrage Le street art au féminin de Xavier Tapies, aux éditions Graffito Books (2017).
Autre ressource intéressante : NeSpoon Artbook preview.

© Toutes les photos sont d’Invisible Walls.

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Ememem pratique le « flacking », terme qu’il a lui-même inventé* pour parler de son premier « rebouchage » de trou ! Pour ce petit article, nous voulions vous parler de cet artiste à la technique bien particulière.

Eh oui, il créé des œuvres d’art qui permettent de combler ou de réparer un bout de trottoir, et parfois de mur. Truelle en main, il utilise la mosaïque et la céramique pour apporter de petites touches de poésie et de couleurs à nos rues tout en allégeant le travail du service de la voirie !!

Intriguées depuis quelques temps déjà par sa technique et les étapes de réalisation de ses œuvres, nous avons contacté Ememem qui a accepté de nous répondre par écrit pour garder son anonymat. Il nous a expliqué son travail et sa démarche de création, non sans ajouter une bonne dose d’humour à son message !

Ememem choisit ses emplacements au hasard de ses balades. Il se laisse aller aux bruits de la ville et reste attentif aux trous qui lui parlent et l’inspirent, parce que comme il le dit si bien, il y a des trous qui « vibrent et d’autres pas » !

Pour le choix du motif et des couleurs, la magie opère dans les discussions intimes entre l’artiste et son sujet. C’est donc mystère et boule de gomme, nous n’en sauront pas plus…

La plupart des œuvres d’Ememem sont vandales. La question qu’on se pose alors est : comment est-ce qu’il s’y prend pour créer in situ des œuvres sur-mesure et si minutieuses sur la voie publique, sans être interrompu ?

La réponse est simple, il n’y a pas de recette miracle il travaille de nuit pour pouvoir s’isoler. Et il ne s’est jamais senti en position d’illégalité. En rebouchant les nids-de-poule d’une ville, est-il dans une forme de vandalisme qui présuppose une atteinte à l’espace public ?
Les quelques fois où Ememem a rencontré la police, ils sont repartis sans le verbaliser. Ils l’ont même parfois encouragé !

Quant à son temps de création, c’est assez relatif puisqu’il peut y consacrer entre une heure et six heures afin de redonner un coup de jeune à un trou ! Tout dépend de la météo, de la taille du flacking, des matériaux utilisés (tous issus de récupération), des conditions initiales du nid-de-poule, etc. La dernière étape du processus, celle du séchage, est toujours la plus longue.

En bref, l’artiste œuvre en toute liberté, dans l’anonymat et la solitude de la nuit.

Pour nous, ses œuvres sont de petites pépites sur lesquelles nous tombons par hasard dans les rues de Paris. Elles illuminent notre journée autant que la fameuse grisaille parisienne. Alors nous remercions Ememem pour ses œuvres et ses réponses qui nous ont bien fait rire !

→ L’instagram de l’artiste pour voir encore plus d’œuvres ←

On espère que les flackings que vous rencontrerez sur vos trottoirs vous feront le même effet, et que cet article vous aura permis d’identifier ou de découvrir cette technique 

Un autre artiste bien connu de la scène internationale utilise une technique similaire pour « réparer » des murs abîmés, à l’aide de légo cette fois-ci ! Il s’agit de Jan Vormann et on vous laisse découvrir son travail par ici.

*Selon certaines légendes urbaines, le terme serait apparu lors d’une soirée quelque peu arrosée et Ememem l’aurait gardé pour parler de sa pratique.

© Toutes les photos sont d’Invisible Walls.

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Maye est un artiste français qui opère dans l’espace public. Il a commencé par le graffiti pour ensuite évoluer dans le milieu plus institutionnalisé du street art international. Ses œuvres murales sont peuplées de personnages filiformes, décharnés et son univers est un complexe entrelacement de détails qui incarnent un équilibre fragile.

Inspiré par les cultures urbaines et nomades, les graffitis recouvrent ses villes, les tatouages décorent ses personnages, la musique et les jeux rythment son univers. Le résultat nous plonge dans les tréfonds d’un imaginaire atypique et emplit de poésie.

Les fresques de Maye sont constituées comme des récits qu’il faut prendre le temps de contempler pour en apprécier tout le contenu. Le message qui transparaît dans son travail fait souvent référence à l’écologie et aux dérives de la modernité de nos sociétés humaines.

L’une de ses fresques est visible à Paris dans le 13e arrondissement, au 131 boulevard Vincent Auriol, réalisée dans le cadre du projet Boulevard Paris 13. Elle évoque la Camargue, dont il est originaire.

Découvrez son travail par ici !

Cet article a été publié initialement pour Artenders, média d’art contemporain français et incubateur artistique.

Photo de couverture : peinture sur toile de Maye, présentée lors de l’exposition collective « Walking down the boulevard » (2019) à la galerie Itinerrance, à Paris.

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Cet automne nous avons eu l’opportunité à Londres de redécouvrir le travail de PichiAvo lors du vernissage de leur exposition « Marbles and Bronzes » à la galerie Stolen Space, en plein cœur de Shoreditch.

PichiAvo est un duo d’artistes qui mêle l’art classique et le graffiti en s’inspirant des maîtres de la sculpture antique et des précurseurs du graffiti des années 70-80 aux Etats-Unis. Ils ont étudié les Beaux-Arts et le Design et se sont rencontrés sur la scène valencienne du graffiti. Pichi et Avo (ou Juan Antonio and Alvaro) ont ensuite décidé de laisser de côté « l’égo de l’artiste » comme ils aiment le déclarer, pour travailler en totale collaboration depuis 2007 et se concentrer uniquement sur le résultat de l’œuvre.

« Marbles and Bronzes » est construite comme une étude des sculptures de la période classique, spécifiquement celles en marbre et bronze.

Plusieurs dessins en noir et blanc sont exposés ainsi que de nombreuses toiles. Et puis une œuvre en 3D est magistralement posée au centre de la galerie, comme une miniature des sculptures qu’ils représentent au travers de toutes leurs œuvres.

PichiAvo rend hommage à ces sculptures classiques exceptionnelles. Ils redonnent vie à ces figures mythiques et statues qui étaient en leur temps recouverte de couleur ! Au fil du temps la couleur a disparue et nous associons aujourd’hui la beauté de ces sculptures classiques à leur blancheur. PichiAvo leur rend couleurs et les réinterprète au goût du jour au travers d’un art contemporain urbain !

Dans leur travail très prolifique, ils mixent les techniques et les supports : murs, toiles, statues… Leur coup de bombe aérosol et de pinceau est presque translucide et le travail des détails est extrêmement minutieux, jusqu’à finir certaines de leurs œuvres par des feuilles d’or.

Petite marque de fabrique, l’ampoule qu’on retrouve sur toutes leurs œuvres comme une petite signature tag, est le symbole de l’idée et de la créativité : « C’est un élément familier que tout le monde reconnaît et qui disparaît peu à peu avec les nouvelles technologies, malgré les tentatives pour maintenir sa place » (Interview de PichiAvo pour Graffiti Street).

Artistes aujourd’hui très reconnus, ils ont participé à de nombreux festivals et évènements de street art à l’international : POW WOW festival, deuxième plus grande fresque du monde à Porto en collaboration avec Vhils, ouverture de l’Urban Nation à Berlin, et puis ils ont fait leurs débuts à Londres avec l’exposition « In Gods We Trust » en 2017 à la galerie Unit.

Quant à nous, nous les avions découvert lors de leur exposition dans le Cloître du Centre Culturel du Carmen de Valencia en 2019. Les images sont folles et l’association des graffiti dans ce lieu patrimonial était assez magique. Et puis la même année ils ont réalisé la grande Falla de Valencia, sculpture de 26 mètres de haut !

Bref, on est fans ! Entre histoire et street art, l’association de ces thèmes est à nos yeux passionnante et c’est d’ailleurs ce qui nous unit à Invisible Walls 

Stolen Space est une galerie de l’artiste londonien D*Face qui expose depuis 11 ans des artistes d’art contemporain urbain. Les expositions changent régulièrement et dernièrement on y a vu les œuvres de D*Face bien évidemment, mais aussi de Maye, Kai & Sunny et Brusk entre autres.
Les vernissages y sont toujours très sympathiques et c’est l’occasion d’aller discuter avec les artistes en face à face ou… en instagram live : découvrez le live vidéo entre PichiAvo et les personnes présentes au vernissage.

L’exposition est à découvrir jusqu’au 1^er Novembre 2020 à la galerie Stolen Space :
17 Osborn Street
E1 6TD LONDON
Ouvert de 11h à 18h du jeudi au dimanche, ou sur rendez-vous le mardi et mercredi.

© toutes les photos de cet article sont d’Invisible Walls.

→ Pour aller plus loin, on vous recommande la découverte d’un autre artiste valencien : JANK !

L’article <p class="has-medium-font-size">Portrait de PichiAvo à l’occasion de leur exposition « Marbles and Bronzes » à la galerie Stolen Space à Londres est apparu en premier sur Invisible Walls.

La Cala d’En Serra est une petite crique nichée au nord de l’île d’Ibiza, en amont de laquelle trônent les ruines d’un hôtel inachevé. Spot idyllique de graffs & d’urbex, je voulais absolument vous partager les images de mon exploration !

Si vous n’êtes jamais allé à Ibiza, sachez qu’en plus de ses boîtes de nuit estivales, elle offre toute l’année de véritables trésors naturels et architecturaux. Deux sites archéologiques y sont inscrits à l’UNESCO, ainsi que la vieille ville d’Eivissa. En matière de street-art, le festival BLOOP œuvre depuis 10 ans à sa diffusion et organise la venue d’artistes incontournables pour peindre des fresques incroyables à travers toute l’île.

Mais, selon moi, son attrait principal se trouve dans la diversité et la beauté de ses paysages méditerranéens. D’ailleurs, certaines mesures de protection ont été prises par les pouvoirs publics pour préserver la biodiversité, en proie à un urbanisme toujours plus dense. La Cala d’En Serra se situe justement au cœur d’un Espace Naturel d’Intérêt Spécial (ANEI), qui interdit d’y construire depuis 1991.

Les ruines actuelles sont l’héritage d’un projet de complexe hôtelier entrepris dans les années 1970 par Josep Lluís Sert, architecte reconnu du modernisme. Le chantier est suspendu temporairement en raison de son opposition à la dictature de Franco, puis abandonné à sa mort en 1983. Alors qu’un nouveau projet urbanistique se profile dans les années 2000, la crise financière balaye les perspectives de reconstruction. Bien des années plus tard, le chantier demeure toujours en l’état dans lequel il a été laissé.

Pour accéder à Cala d’En Serra, il faut descendre une route rocailleuse en bas de laquelle on découvre en même temps des eaux turquoise et un panorama sauvage surmontées par les ruines de béton. Certains trouveront que ce contraste gâche le spectacle naturel de la crique. Personnellement, je trouve que cela ajoute un peu de surréalisme.

L’édifice est complètement accessible, malgré quelques pauvres barrières et ça semble presque invraisemblable au vu du niveau de délabrement et du danger que le lieu laisse craindre. Autour des deux bâtiments présents, la nature sauvage est omniprésente et, au bout du terrain, on peut accéder à une large plateforme de béton qui surplombe toute la crique.

J’ai escaladé et parcourus les deux ou trois étages, évitant certains escaliers branlants et, de tomber dans des trous ! Les murs sont fissurés, le sol est crevassé et toutes les surfaces sont tagguées. En fait, il y a tellement de graff et de messages (certains en français !) qu’on en déduit que c’est un espace hyper fréquenté par les graffeurs et les aventuriers des ruines !

En l’explorant, cela m’a aussi permis d’identifier quelques street-artistes d’Ibiza, Butron Delcastel, Rubiio.One, Inkrustart, la féministe FlowHer Power, et des artistes internationaux tels que le barcelonais BubleGum, célèbre français Noar Noarnito et l’anglais Morf.

J’ai découvert qu’une résidence artistique avait été organisée en 2018 par l’association Ses Dotz Naus. Le premier bâtiment a été investi par le duo d’artistes luxembourgeois Martine Feipel & Jean Bechameil. Dans le cadre d’une action collective, ils ont convié des habitants et des volontaires pour reprendre possession de ce lieu abandonné en peignant l’une des façades, mêlant ainsi street-art et arts visuels. Les traces de leur travail sont encore visibles sous les tags récents, aussi éphémères et fragiles que ces murs. Leur performance a ainsi souligné la dimension artistique et historique du lieu et de l’édifice qui s’inscrivait initialement dans le courant de l’architecture moderne.

La résidence a été filmée pour finalement produire une œuvre audiovisuelle, intitulée Hotel Utopia. Elle est actuellement visible à la Hab Gallery de Nantes, à l’occasion d’une exposition des artistes, Automatic Revolution. Jusqu’au 1^er novembre 2020. La production apporte ainsi une archive durable de ce patrimoine.

L’histoire de l’Espagne est là, cette ruine est un patrimoine vivant de son époque et devient en même temps un lieu à part entière avec son propre récit de l’art qui en recouvrent les murs.

Ce lieu me pose plein de question et je ne sais pas ce qu’il en adviendra. Mais on espère avoir apporté ici notre petite pierre à l’édifice dans sa valorisation…

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Bibliographie :

U. C. du patrimoine mondial, « Ibiza, biodiversité et culture », UNESCO Centre du patrimoine mondial. https://whc.unesco.org/fr/list/417/

D. de Ibiza, « Las ANEI de las Pitiusas quedan inedificables como en el resto de Balears » https://www.diariodeibiza.es/pitiuses-balears/2016/01/09/acuerdo-govern-declarar-inedificables-anei/815966.html

« Es Amunts ». http://makingofibizamagazine.com/es-amunts/

diariodeibiza.es, « Estructuras abandonadas e inacabadas en Ibiza » https://www.diariodeibiza.es/multimedia/fotos/local/2019-11-03-172490-estructuras-abandonadas-inacabadas-ibiza.html

D. de Ibiza, « Cala d’en Serra: el arte entre las ruinas » https://www.diariodeibiza.es/pitiuses-balears/2020/01/19/cala-den-serra-arte-ruinas/1116801.html

L’association « ses12naus.org – ses12naus ». http://ses12naus.org/index.php/en/sesdotzenaus/

« Martine Feipel & Jean Bechameil, lauréats de la Bourse Francis-André 2019 », Culture.lu. https://culture.lu/fr/actualit%C3%A9s/martine-feipel-jean-bechameil-laureats-de-la-bourse-francis-andre-2019

« Martine Feipel et Jean Bechameil », Issuu. Disponible sur: https://issuu.com/revue303/docs/feipel_et_bechameil

« A visit to Josep Lluís Sert’s abandoned Hotel built in 1969 in Cala d’en Serra, Ibiza – purple TRAVEL », Purple, mars 09, 2017. https://purple.fr/diary/a-visit-to-josep-lluis-serts-abandoned-hotel-built-in-1969-in-cala-den-serra-ibiza/

« Celluloid Diaries: Urbex – Abandoned hotel on Ibiza », CELLULOID DIARIES. http://www.celluloiddiaries.com/2013/10/urbex-abandoned-hotel-on-ibiza.html

« The fascinating story of the Ibiza lost resort – The White Isle – Ibiza Blog ». https://www.thewhiteisle.co.uk/fascinating-story-ibiza-lost-resort/

« Ibiza Hors des Sentiers Battus | Voyage Authentique », www.partir.com. https://www.partir.com/Baleares/ibiza/coins-secrets.html

Ivan, « The sad story of the half-constructed abandoned resort at Cala d’en Serra – Ibiza », RANDOM Times •, avr. 30, 2020. https://random-times.com/2020/04/30/the-sad-story-of-the-half-constructed-abandoned-resort-at-cala-den-serra-ibiza/

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Grande nouvelle qui nous a mis du baume au cœur tout l’été : nous avons sorti nos stickers Invisible Walls pour envahir nos villes – et les vôtres

Comme vous l’avez peut-être observé, ils sont inspirés de la jolie bannière de notre blog ! Le motif est tiré d’une photo d’azulejos de Lisbonne. Ce sont des carreaux de faïences traditionnels d’Espagne et du Portugal qui recouvrent souvent les façades des immeubles.

Ça nous semblait logique de nous prendre au jeu du street art, en développant notre propre petite œuvre. Nous avons intégré un QR code pour vous permettre d’accéder à notre site directement et pour multiplier les portes d’entrées vers nos murs invisibles.

Pour la conception nous avons collaboré avec Cali O, un jeune artiste anglais autodidacte et pluridisciplinaire. Il décline sa pratique artistique entre graphisme, street art et céramique sur une palette de motifs contrastés bleus et rouges inspirés des mandalas.

À vos murs et vos appareils photos !!

N’hésitez pas à nous écrire si vous souhaitez recevoir votre petit lot par la poste, et reposter les photos de vos collages en n’oubliant pas de nous taguer sur insta @invsiblewalls.eu et #invisiblewalls !

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Rouen, la ville aux cent clochers, là où j’ai passé tous les étés de mon enfance, est en train de devenir une escale incontournable du street-art en France. À l’occasion de la seconde édition du festival « Rouen Impressionnée », j’ai redécouvert cette ville et elle m’a impressionnée !

Au-delà de son histoire et de son vaste patrimoine qu’il ne vous faudra pas manquer de découvrir, je vous propose ici un panorama non-exhaustif de la scène d’art urbain rouennaise au travers de ce festival, de l’artiste très emblématique InkOj et du centre d’art, le Hangar 107.

Comme cela se produit à Rouen, de plus en plus de villes adoptent une politique culturelle favorable au street-art, perçu comme un levier de développement local. C’est un nouveau phénomène touristique et on voit éclore de nombreux festivals à travers la France : à Bayonne, Sète ou Besançon, pour n’en citer que trois. En somme, l’art urbain contribue à embellir la ville et à renouveler son attractivité. Il participe souvent à revaloriser des quartiers ou des territoires marginalisés par rapport à un centre, à l’instar du XIIIe arrondissement de Paris, de Vitry S/Seine ou du Cabanyal à Valencia (ES).

Le festival d’art urbain ‘Rouen Impressionnée’, Rive Gauche

L’urbaniste Olivier Landes est l’instigateur de cet événement de grande ampleur. Spécialiste de l’art urbain, il est le fondateur de l’association Art en Ville, au sein de laquelle il a également été le commissaire d’exposition du festival In Situ à Aubervilliers.

Pour sa seconde édition de 2020, ‘Rouen Impressionnée’ investit la Rive Gauche avec une vingtaine d’artistes programmés. Il vous faudra donc traverser la Seine depuis le centre-ville. Au moment où j’ai assisté à l’événement, 9 artistes avaient déjà réalisé leur fresque lors de la première partie du festival, entre le 23 juin et le 17 juillet.

J’en profite donc pour vous teaser la deuxième partie du festival qui a commencé lundi 24 août. Les artistes se produiront jusqu’au 25 septembre. Parmi eux, je citerais Manolo Mesa et Elian Chali qui sont un peu mes vedettes depuis que j’ai eu l’honneur de découvrir leur travail à Valencia. Toutefois, un festival c’est surtout l’occasion de faire des découvertes, parfois bouleversantes ! Je vous présente en photographies une sélection de 4 fresques sur les 9 qui ont été peintes durant la première partie du festival et qui m’ont tout particulièrement séduites.

En bref, Rouen Impressionnée se déroule du 23 juin au 15 novembre 2020. Deux parcours ont été créés à Saint-Sever (prononcez Saint S’ver) et à Grammont pour vous permettre de vous repérer facilement à travers la ville sans en perdre une miette !

P’ti tips : la programmation est en deux parties, et en fonction du moment où vous suivrez l’un des parcours, toutes les fresques ne seront peut-être pas achevées (je me suis fait prendre au piège !)

Partie 1 / partie 2 / cartes des parcours

Des visites gratuites sont à réserver ici avec plusieurs dates pour le mois de septembre et d’octobre. Tout est disponible sur le site mais je vous mâche le travail ! 

La première édition du festival s’est tenue en 2016 dans trois zones : le centre-ville, les quais et le quartier des Sapins dans les hauts de Rouen. Ces choix géographiques traduisent sans doute une volonté des organisateurs de produire un événement qui irrigue la ville dans son centre très dynamique mais aussi en valorisant des quartiers plus éloignés géographiquement.

Je suis donc allée en voir quelques-unes des œuvres héritées de cette précédente édition : en voici quelques photos !

Certaines d’entre elles n’existent plus, notamment le Calmar géant de Brusk, dont le bâtiment support a été démoli en 2017. Et puis je n’ai finalement pas eu le temps de me rendre dans le quartier des Sapins, mais j’espère retrouver une occasion prochainement. 

Les fresques de l’artiste InkOj dans le quartier Saint-Marc

Pour appréhender pleinement le rapport entre la ville et le street-art, je suis sortie du cadre institutionnel du festival pour m’imprégner d’autres modes d’expression. Proche des rues commerçantes, la place Saint-Marc incarne un îlot plus paisible du centre-ville. J’y ai tout de suite remarqué une œuvre de l’artiste InkOj dont le travail m’a semblé particulièrement emblématique.

Depuis décembre 2019, il recouvre au pochoir et à la bombe les sorties d’immeubles du quartier Saint-Marc. Ses motifs ressemblent à ceux des azulejos portugais et espagnols. Au delà de ce style que j’affectionne tout particulièrement, c’est sa démarche territoriale qui m’interpelle profondément. En effet, la profusion d’œuvres dans le périmètre du quartier revalorise les rues, trottoirs et l’entrée des bâtiments, renouvelant ainsi toute son esthétique urbaine. L’emplacement de ses fresques n’invite plus le citadin à lever les yeux sur ce qui l’entoure mais plutôt à regarder sous ses pas ! D’ailleurs, quand on observe un peu les rues pour découvrir le street art qui s’y cache, bien souvent on trouve de petites merveilles en baissant les yeux

Ce projet répond à une initiative personnelle, spontanée et vandale de l’artiste qu’il finance lui-même et dans lequel il exerce une liberté totale. La mairie de Rouen adopte, semble-t-il, une posture de tolérance comme c’est de plus en plus courant dans de nombreuses villes françaises, aujourd’hui.

Car, l’art urbain est véritablement un vecteur d’identité culturelle et de lien social. Il peut se faire l’ambassadeur d’un quartier. Je l’ai constaté à plusieurs reprises par le biais de rencontres inattendues (cf : mon excursion dans le Cabanyal). En photographiant des œuvres, j’ai été interpellée par le gérant du Café de l’Époque, au 43 rue Armand Carrel. C’est beau de voir que la fierté et l’enthousiasme se mêlent à ces conversations dans lesquelles l’art urbain devient un prétexte naturel pour discuter du quartier et de son aura. C’est lui-même qui m’a fait observer que les motifs des œuvres d’InkOj reprenaient la continuité des carreaux à l’intérieur des immeubles dont l’entrée est fermée la plupart du temps. Cela se remarque néanmoins devant les terrasses des cafés où nous pouvons publiquement entrer la journée.

Je vous invite donc à traverser la rue Eau de Robec où l’on succombe au charme de la ville et de ses maisons en colombage, et qui a justement été prise d’assaut par l’artiste InkOj, suite à une commande groupée des restaurateurs.  

Les œuvres d’InkOj remettent donc à la vue de tous un patrimoine architectural caché : les traditionnels carreaux de ciment ou de céramique des intérieurs rouennais. De l’espace privé, ils débordent maintenant sur la rue, dans l’espace public de la ville grâce à sa pratique d’un art contemporain et urbain !

Le Hangar 107 sur les Docks 

Le Hangar 107 est un lieu incontournable pour les amateurs d’art urbain. Je trouve que la programmation est toujours excellente et j’ai adoré l’exposition collective de cet été. Elle a rassemblé tous les artistes qui avaient été exposés au centre d’art depuis son ouverture en 2018. Parmi eux, je citerais entre autres, quelques coups de cœur : Tania Mouraud, Tilt et Thomas Canto.

La prochaine exposition mettra à l’honneur le travail d’Olivier Kosta-Théfaine et sera ouverte du 24 septembre au 31 décembre 2020.

Le Hangar 107 se situe sur les docks, un environnement beaucoup plus moderne et industriel qui contraste avec l’architecture du centre-ville. Le cadre de la galerie est lumineux grâce aux baies vitrées qui laissent entrevoir un joli panorama de la rive droite. A l’extérieur, on saisit toute la beauté du bâtiment dès lors que l’on voit les rayons du soleil ricocher sur la façade en verre. Je vous invite aussi à traverser le Pont-levant Flaubert pour vous arrêter sous ses immenses piliers de béton et admirer la Seine.

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Pour conclure, voici une œuvre surprenante qui donne un effet de trois dimensions de l’artiste Jaw réalisée en juin dernier. Il s’agit d’une commande de la Métropole Rouen Normandie pour embellir la rue des Vergetiers. A deux pas du Gros Horloge, elle se situe au cœur d’une zone très animée. L’objectif était de revaloriser cette rue piétonne mais très peu fréquentée. Ce projet traduit parfaitement l’attrait de l’art urbain dans les stratégies d’aménagement du territoire.

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Ressources :

Le site officiel du festival Rouen Impressionnée

Le compte instagram d’Olivier Landes, curator du festival

Le site officiel de la ville de Rouen

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Bibliographie complémentaire :

« Une fresque murale pour embellir une rue piétonne, à deux pas du Gros-Horloge, à Rouen », Actu.

« Le 107, nouvelle place forte de la rive gauche à Rouen », Paris Normandie.

« Le poulpe part en morceaux sur les quais de Rouen », Paris Normandie.

« A Rouen, le street art a envahi la ville », Télérama.

« Rouen se laisse surprendre par le street art », Le Monde.

« Carrelage et révolution industrielle », dossier BNF.

« Du clos à la place Saint Marc, histoire d’un mythe urbain à Rouen », Paris-Normandie.

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© toutes les photos de cet article sont d’Invisible Walls.

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Photographe et artiste de référence, Thomas Jorion capture la beauté des ruines et des patrimoines oubliés. Sur la terrasse d’un café au bord du canal de l’Ourcq, on a balayé ses souvenirs de jeunesse et on a discuté de son expérience vandale, inhérente à sa démarche d’urbex.

De ses premières explorations urbaines jusqu’à l’affirmation de sa carrière artistique, on a voulu connaître les détails de deux de ses projets qui nous ont tout particulièrement marqués : La Ligne Oubliée et la Piscine Molitor.

Focus de la série La Ligne Oubliée, la Petite Ceinture est une ancienne ligne de chemin de fer qui entoure Paris. Elle mesure 32 kilomètres et desservait au XXe siècle une trentaine de gares. Aujourd’hui désaffectée, les gares sont réhabilitées en lieux culturels et la ligne est devenue une promenade.

A Paris également, dans le 16e arrondissement, la Piscine Molitor qui était la fois une piscine et un sublime bâtiment Art déco. Fermée en 1989, elle est inscrite au titre des monuments historiques en 1990 mais abandonnée, elle s’est transformée en un haut lieu du graffiti vandale parisien jusqu’aux années 2000. Le lieu a finalement été restauré en 2014 en hôtel de luxe.

Pour cette interview, nous nous sommes associées avec la jeune plateforme Artenders. Média d’art contemporain investi dans la promotion d’artistes français et dans la consolidation d’un réseau de professionnels et de passionnés. Pour découvrir leur portrait vidéo de Thomas Jorion, c’est ici !

Pour ma part, j’ai découvert le travail de Thomas Jorion pendant mon stage au Centre des monuments nationaux l’année dernière, lorsque je coordonnais une exposition au château François Ier de Villers-Cotterêts. Avant restauration, Thomas Jorion était venu immortaliser l’intérieur de ce patrimoine de la Renaissance pour témoigner de son histoire tumultueuse et de l’héritage patrimonial qu’il représente.

Je suis ravie d’avoir pu le rencontrer à nouveau dans le cadre d’Invisible Walls pour cette interview passionnante. Bonne lecture 

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1. Pourquoi est-ce que tu photographies des ruines ?

C’est arrivé par hasard. J’ai grandi dans le Val-de-Marne, à Champigny-sur-Marne, et à l’époque j’avais une certaine passion pour les films du type Indiana Jones ou les Goonies. Je m’étais fait des copains dans cet univers-là et on aimait bien aller après l’école ou à la pause-déjeuner dans un garage abandonné à côté du collège. On se faisait un peu peur, on fumait des cigarettes… Et finalement, c’est quelque chose qui a perduré. On a fait des recherches dans la région, en allant même à la mairie, au service des cartes pour voir s’il y avait d’autres bâtiments ou zones désaffectées dans le secteur. Et puis on a grandi. Après le bac j’ai fait du droit sans grande passion et j’ai acheté un appareil photo. Spontanément j’ai eu envie de photographier les ruines. Il y avait je pense une volonté de les sauvegarder, parce que j’avais le sentiment de photographier des bâtiments qui allaient s’effondrer ou s’endommager.
On ne parlait pas d’urbex à cette époque-là. Aujourd’hui, c’est un terme pratique.

2. Quelles ont été tes premières explorations ?

On s’ennuyait beaucoup, on n’avait pas les jeux vidéo, internet. On allait donc souvent dans le garage abandonné à côté du collège, sur les bords de Marne. L’architecture en elle-même n’était pas très intéressante mais c’était chouette d’y monter. Je me rappelle qu’on pouvait escalader jusqu’au toit en passant dans un trou avec une corde. Ça, c’était sympa ! Et plus près de chez moi, il y avait une maison du début XIXe. Il y avait un petit kiosque et une marquise à l’entrée, et un escalier en bois qui montait dans les étages. Ça, c’était plus fort parce que c’était un intérieur résidentiel.
Voilà les deux premiers endroits que j’ai explorés très jeune. Par la suite, j’ai déménagé en Seine-et-Marne et j’ai exploré des châteaux. Celui de Lesigny par exemple, et le château de Malnoue, du côté de Pontault-Combault.

3. Comment est-ce que tu choisis les lieux que tu photographies ?

Au début c’était photographier des ruines pour des ruines. D’un entrepôt, par exemple celui des douanes qui est à Pantin, jusqu’à La Petite Ceinture en passant par la Belgique, des usines, des maisons, ou des villas en Italie. C’était quelque chose qui ne se faisait pas vraiment dans la photographie.
À un moment, j’ai pris conscience qu’il fallait organiser ça en séries ou en thématiques. Il fallait coudre ça avec l’histoire. Je pense que l’exemple le plus important était cette série sur les vestiges de l’Empire colonial français que j’ai photographié de 2013 à 2016 : Vestiges d’Empire. C’était intéressant de revenir sur ces traces du passé. Quand le colonisateur construit un abattoir à Casablanca, il fait quelque chose qui va rester dans le temps par un style architectural, par le fait que tout d’un coup c’est l’Europe qui construit au Maghreb.

4. Quel est ton rapport avec le street art ?

J’étais au collège dans les années 1988-89. C’était le début du rap, de la culture hip-hop en France, et j’avais des copains qui commençaient à faire des tags dans la rue. C’était chouette !

Tu as essayé ?

Pas beaucoup et pourtant c’est quelque chose que j’aime bien, qui me touche, qui me parle !

Et évidemment, les ruines sont des lieux d’expression pratiques. Je pense que dans un premier temps ça m’a gêné parce que j’aimais bien le côté immaculé des ruines. Mais ça dépend des contextes. Je prends l’exemple de la Petite Ceinture, je trouve que c’est un élément [le graffiti] qui apporte beaucoup. J’aime énormément retrouver ça dans certains endroits.

Je me souviens par exemple de l’usine Sudac d’air comprimé dans le 13^ème, vers la porte d’Ivry, sur les bords de seine. Aujourd’hui c’est une école d’architecture [École Nationale Supérieur d’Architecture Paris Val-de Marne – ENSAPVS] mais à l’époque, quand c’était une ruine c’était une cathédrale de tags. C’était vraiment mortel dans ce lieu industriel ! Ça, ça me plaisait !

Est-ce qu’il y a des artistes ou des œuvres de street art qui t’ont marqué ?

Je pense à l’artiste André à l’époque où tout d’un coup les mecs ont commencé à développer une autre forme et à se démarquer parce que je pense que ça reste actuel. On cherche toujours à se démarquer par un nom, un lettrage ou par un positionnement.

5. A quel point ta pratique est vandale ? Et quelle est la part de tes projets commissionnés ?

90 ou 95% de ce que je fais est sans autorisation parce que c’est trop compliqué d’avoir des autorisations. Il faut identifier un propriétaire, expliquer sa démarche, et puis il y a les questions d’assurances aussi… Maintenant, commençant à être connu on m’a proposé des commissions, souvent des cartes blanches qui sont un état des lieux avant transformation. Par exemple le château de Villers-Cotterêts, dans un tel état de délabrement qu’il aurait très bien pu être photographié comme de l’urbex.

Est-ce que tu es attiré par le côté vandale ?

C’est évident, ça n’a rien à voir ! L’adrénaline fait que tu as une acuité qui est vraiment décuplée et que tu vas à l’essentiel. J’ai même parfois du mal à faire le même rythme d’image quand c’est commissionné. Pour moi, c’est évident de faire ça en mode vandale. J’ai accès à des lieux où je n’aurais jamais accès d’une autre manière.

Artenders : ce qui me touche dans tes productions c’est qu’on ne voit jamais l’homme mais on le sent toujours. Peut-être que justement, avec cette autorisation, il y a une place de l’homme qui est différente parce que le lieu n’est plus abandonné au final. De la même manière, le street art vient perturber cet abandon dans tes peintures… Tes photos pardon ! C’est marrant que je dise peinture parce que certaines en ont vraiment l’air !

Très souvent les gens ont l’impression de voir des peintures ! Je pense que c’est le fait d’utiliser le négatif-couleur, les grands plans-films que j’utilise dans la chambre et puis le tirage sur papier fine art un peu coton qui donne vraiment cette impression.

Le graffiti tout d’un coup va ôter le côté immaculé. On va moins facilement voyager dans le lieu, dans l’image parce qu’il y a une forme d’appropriation. Ça ramène tout d’un coup à une actualité.

6. J’aimerais discuter d’un de tes premiers projets : la Petite Ceinture. Pourquoi as-tu eu envie de l’explorer ?

Je l’ai découvert très tôt avec ce même groupe d’amis quand on cherchait un accès aux catacombes. Le cousin d’un copain nous avait dit qu’il y avait un accès dans le sud de Paris, depuis une voie ferrée désaffectée. On n’avait pas de GPS, pas d’internet et c’est quand même une ligne qui fait plus de 30 km. Elle est un peu cachée par endroits, en tunnel ou en hauteur, donc on ne l’a pas trouvée directement. On a fini par trouver un accès plus au nord, vers Porte de Clichy. J’ai retrouvé les photos que j’avais faite à l’époque en argentique, les tunnels à cette époque-là étaient encore éclairés. C’était la fin du trafic ferroviaire [1996] mais ça paraissait encore hyperactif donc nous on s’attendait à tout moment à tomber sur un train, ou rencontrer des gens… on était vraiment au maximum de l’adrénaline.

Ensuite le hasard a fait que j’y suis retourné plusieurs fois. J’ai emménagé dans le 19^e arrondissement au début des années 2000 et j’ai commencé à explorer toute cette partie-là. Je me mettais de plus en plus à la photographie à ce moment-là et je testais des appareils dans ces zones désaffectées. J’avais le sentiment que c’était un univers qui allait changer, évoluer ou disparaître. Je l’aime énormément telle qu’elle est aujourd’hui : abandonnée, sauvage et taguée. C’est un des rares endroits où tu n’entends plus le bruit de la ville. Il y a un vrai dépaysement temporel.

7. Est-ce que tu peux nous raconter ton expérience à la Piscine Molitor ?

Je l’avais découvert en allant visiter les serres d’Auteuil, un autre endroit désaffecté moins connu. Au loin j’avais vu un bâtiment complètement graffé et taggué. C’était la piscine Molitor mais elle était complètement fermée. Et puis, j’ai trouvé un copain pour qu’on y aille ensemble, vers 2010. Pour y accéder il fallait un peu s’organiser. On est arrivés de nuit à 5h du matin avec une échelle sur la voiture. On est monté par le toit, on est rentrés et on a attendu que le jour se lève pour faire des photos. Et on s’est aperçus qu’il y avait quelqu’un. On a cru que c’était un gardien mais en fait c’était un artiste qui vivait là. Il permettait de réguler un peu le lieu. C’était une période où c’était un peu plus organisé. Avant ça, je crois que c’était grand ouvert et beaucoup de street-artistes y sont allés.
Donc j’y suis d’abord allé à l’arrache en mode vandale de nuit, et deux ans après j’ai pu y retourner de façon officielle pour faire un état des lieux avant transformation. Là, j’avais les clés du lieu pour moi tout seul. L’artiste qui gardait le lieu était parti.

Aujourd’hui, c’est devenu un hôtel palace. Ils ont dû démolir 90% du bâtiment pour le reconstruire à l’identique, ce qui leur permet de continuer à relayer l’histoire.

8. Est-ce qu’il y a d’autres lieux abandonnés à Paris ou dans le Grand Paris que tu n’as pas exploré ou dans lesquels tu aimerais retourner ?

Je ne connais pas tout et il y a toujours des petits lieux qui s’ouvrent, des immeubles, des usines… Par exemple, en ce moment il y a une usine dans le sud de Paris en cours de démantèlement. Et puis, je continue d’aller sur la Petite Ceinture de temps en temps. J’y suis allé il n’y a même pas un mois. Ce qui me plaît avec la Petite Ceinture c’est qu’à toutes les époques de ma carrière elle m’a toujours apporté de nouvelles choses. Quand j’ai eu envie de photographier de l’architecture, il y avait des choses à y trouver.  Si je cherchais de l’humain, il y a des gens qui y habitent. C’est ça que j’aime beaucoup dans cette Petite Ceinture et qui va petit à petit disparaître. C’est un lieu de liberté où on peut aller faire ce qu’on veut. D’ailleurs, tu me demandais si j’étais allé tagguer : je m’étais essayé au pochoir, j’avais oublié ! À un moment j’ai eu envie de pochoir, je me suis baladé sur la petite ceinture de nuit et j’ai fait des pochoirs !

Comme d’habitude, on vous propose quelques ressources supplémentaires pour approfondir le sujet :

– Le site internet de Thomas Jorion pour découvrir l’exhaustivité de son travail

– The Forgotten Line, un article en anglais sur la Petite Ceinture pour un média d’architecture et d’urbansime

– Molitor, Ceci n’est pas une pisicine, Ludovic Roubaudi & Thomas Jorion (2019) : un ouvrage retraçant l’histoire de la piscine Molitor avec les photographes de Thomas Jorion. En français et en anglais.

Bonus : un article sur ce même ouvrage ici.

– « Molitor, une plongée dans l’art urbain » : un article sur le graff à la piscine Molitor

– Une vidéo-portrait YouTube qui présente le projet de Thomas Jorion, Vestiges d’Empire.

– Une petite vidéo dans laquelle on suit Thomas Jorion sur la Petite Ceinture

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Propos recueillis par Invisible Walls, avec la collaboration de Artenders.

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Vestiges d’un ancien village, le Vieux-Pays de Goussainville, dans le département du Val-d’Oise, est une enclave au milieu de la banlieue. Une sorte d’îlot hybride, urbain et rural, avec de vieilles maisons abandonnées couvertes de graffitis.

En réalité, le lieu n’a pas complètement été déserté. Le Vieux-Pays s’apparente à ce qui devait être à l’origine un village, mais sur lequel la ville a pris le dessus en l’incorporant à sa banlieue. Goussainville s’est développé et cette zone s’est retrouvée un peu marginalisée. Dans les années 60, sa proximité avec l’aéroport de Roissy-Charles de Gaulles a fait fuir une partie de ses habitants qui ont laissé derrière eux des maisons vides, aujourd’hui en ruines et recouvertes par la nature.

Pour y accéder, nous nous sommes arrêtés à la Gare de Goussainville sur le RER D. Nous avons marché une vingtaine de minutes le long d’une zone commerciale pour atteindre, de manière complètement inattendue, l’angle de la rue Brulée, l’entrée de l’ancien village. Cette route au nom très évocateur constitue le seul segment du hameau réellement en état de ruines. Pour la petite anecdote, j’ai lu que ce nom était souvent attribué à des lieux qui avaient été détruits par un incendie par le passé. Du reste, l’atmosphère n’est pas glauque, on lui trouve un certain charme. On apprécie les graffitis qui en tapissent les façades de la rue.

Dans cette zone, les maisons ont toutes été murées à l’exception d’une seule. Plantés devant le portail verdit par l’oxydation du zinc, nous décidons finalement de pousser la porte et de traverser la forêt d’orties dans le jardin pour pénétrer dans la maison. Le rez-de-chaussée est très obscur mais nous parvenons à distinguer quelques pochoirs. En haut, la lumière qui entre par les fenêtres complètement cassées nous permet de découvrir les murs de l’étage entièrement recouvert à la bombe aérosol par les graffeurs. Preuves à l’appui !

Suite à cela, nous nous sommes mis à la recherche de l’ancien château de la ville. Ce qu’il en reste se situe un peu plus loin sur la rue principale, dans le parc municipal. Malheureusement, le toit s’est effondré et des barricades en ferment l’accès. Pour nous approcher, nous les avons franchies, mais quelques minutes plus tard une patrouille de police a repéré notre présence et nous a escorté vers la sortie.

Cette petite aventure, c’est pour moi l’occasion d’aborder la question de l’urbex (de l’anglais urban explorations). Cela consiste à visiter des lieux abandonnés et, à priori, inaccessibles. Le street-art est intimement lié à cette pratique pour son côté vandale autant que pour l’exploration urbaine, qui incarne essentiellement le jeu du graffiti : marquer son territoire ou là où on est de passage ! Ce sont de formidables lieux de liberté et d’expérimentations pour les graffeurs. C’est également considéré comme une forme de tourisme alternatif auquel s’adonnent de plus en plus d’aventuriers.

Cette activité est cependant illégale et dangereuse. Dans cette excursion à Goussainville, nous n’avons pas réellement pris de risque même si en vérité, le sol aurait pu s’effondrer sous nos pas. Ce qui est certain, c’est que la police aurait pu nous sanctionner réellement (et non pas simplement escorter comme ça a été le cas).

C’est tout pour la petite escapade ! Nous avons découvert cet endroit grâce à un article récent publié sur le Bonbon. N’hésitez pas à le lire si vous souhaitez avoir davantage d’informations sur l’histoire du village. Une autre ressource ici !

Nos photographies ont été réalisées par la talentueuse Manon Descamps, merci d’aller soutenir son travail

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En cherchant sur Google ou sur Youtube, vous trouverez une infinité de ressources sur l’urbex. Je vous mets cependant quelques liens :

– Un article sur le Mausolée, spot incontournable du graffiti et de l’urbex.

– Le compte instagram de l’artiste Rone qui peint des fresques dans des lieux abandonnés. Un court article qui présente sa démarche.

– La plateforme du photographe Thomas Jorion. Un regard très artistique sur les lieux abandonnés à travers le monde et un travail essentiel d’histoire et de mémoire.

– Une vidéo Youtube de Mamytwink au château de Villers-Cotterêts, un endroit qui me tient très à cœur personnellement.

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Bienvenue dans cette deuxième partie sur Bucarest ! Je vous emmène à présent en balade dans la ville, au fil des fresques que j’ai pu y découvrir !

Le street art à Bucarest offre une attractivité économique et culturelle nouvelle. Il y a de plus en plus de fresques dans l’espace public, mais aussi dans des espaces privés, ce qui est une caractéristique de la scène de l’art urbain de cette ville.

Pour commencer par le commencement : Bucarest part.1 : une ville de tous les contrastes, c’est par ici !

En avril 2019 j’étais donc en voyage pédagogique à Bucarest avec ma classe de master. Accueillis par des professeurs de l’Université d’Architecture et d’Urbanisme Ion Mincu (UAUIM) de Bucarest, nous avons assisté à des conférences et des visites guidées du centre-ville, et puis on s’est aussi baladé en autonomie, comme des grands

Je n’ai pas arpenté toute la ville en ces quelques jours, mais je vous propose un panorama des artistes qu’on y retrouve le plus et des fresques que j’ai rencontrées.

L’outil qui m’a été le plus utile dans mes découvertes et pour vous raconter mon séjour dans cet article est la carte Un-Hidden Bucharest qui recense une centaine de fresques à Bucarest, et bien plus dans le reste du pays ! D’ailleurs, la plupart des fresques qui y sont cartographiées ont été peintes entre 2016 et 2020, ce qui témoigne bien de l’ampleur que prend ce courant artistique ces dernières années à Bucarest.

  1.   Le street art à la rescousse du patrimoine

Notre premier arrêt dans la ville est l’Université d’Architecture et d’Urbanisme de Bucarest où nous assistons à une conférence sur l’urbanisation de la ville. À la fin de la séance, je me balade dans l’enceinte du bâtiment de l’université et découvre la grande terrasse du premier étage qui abrite plusieurs fresques !

La plus grande et aussi la plus impressionnante à mon sens est celle d’Obie Platon, en collaboration avec Alexandru Barat​ et Sandu-Milea Lucian​. L’œuvre réalisée en 2016 s’intitule « The Architect ». C’est un portrait de Ion Mincu (1852-1912), architecte majeur roumain qui a donné son nom à l’UAUIM. Obie Platon a choisi de rendre hommage à cet homme et à son ancienne université puisqu’il y a lui-même étudié l’architecture. L’influence de son premier métier se retrouve dans son art parmi bien d’autres influences telles que l’art cinétique, le surréalisme ou la pop culture. Il commence sa pratique artistique de rue par le graffiti dès le début des années 2000 et se fait connaître dans la scène locale de street art sous le pseudonyme d’Allan Dalla.
Il a réalisé plusieurs autres fresques monumentales à Bucarest, et il expose aussi son travail à l’international.

Petite info : si on se rapproche un peu, on trouve la signature de l’artiste et un flash code qui renvoie directement à son site internet. Les flash codes sont assez courants dans le street art pour s’autopromouvoir ! Gardez un œil dessus et flashez pour de belles découvertes parfois !

Toujours dans la cour de l’UAUIM, un autre grand mur abrite deux fresques. Celle du haut, également peinte en 2016 est de Saddo, un illustrateur et muraliste roumain. Il a étudié le graphisme à l’université d’Art de Cluj-Napoca, sa ville d’origine. Son premier contact avec la culture du graffiti s’est fait lors d’un voyage aux Etats-unis. À la chute du communisme, les jeunes se tournent vers la culture occidentale, voyagent et découvrent le hip-hop dont fait partie à l’origine le graffiti. De retour à Cluj, Saddo crée avec des amis un collectif de street art « The Playground » et devient un artiste majeur de la scène artistique roumaine. Il est également commissionné sur différents projets à l’international.
Rétrospectivement, l’artiste probablement un poil perfectionniste, écrit à propos de cette fresque sur son site :

J’ai l’impression que je dois être honnête à propos de cette fresque – c’est une fresque assez frustrante pour moi, je la vois comme un symbole d’échec pour moi : le moment où je l’ai peinte a été un moment d’échec personnel dans ma vie. De plus, l’idée originale pour cette fresque était au départ une juxtaposition d’éléments naturels, organiques, et d’un dessin au trait blanc d’une capitale corinthienne. L’idée était d’illustrer la façon dont l’architecture trouve son inspiration dans la nature. Mais au moment où j’ai eu envie d’ajouter cet élément supplémentaire, j’étais un peu inquiet, alors je l’ai laissé comme ça, et maintenant j’ai l’impression qu’il manque quelque chose, et que j’aurais dû faire cet effort supplémentaire.

La fresque du bas est de l’illustrateur néerlandais Hedof. Elle a été réalisée en 2017 dans le cadre du festival d’illustration et de graphisme Visual Playground.

On retrouve également l’envahisseur Toy Box pour la fresque en cours, et le maze est anonyme.

Au gré de nos pérégrinations dans la ville, j’ai découvert une autre fresque aux abords du parc de Cişmigiu réalisée dans le cadre du festival Visual Playground par Akacorleone. Illustrateur suisse portugais, graphiste de formation, il a commencé par le graffiti dans sa ville d’origine à Lisbonne. Artiste reconnu de la scène du street art international, il a notamment participé au festival de la Tour 13 organisé par la galerie Itinerrance en 2013 ainsi qu’à une exposition collective de la galerie Mathgoth en 2017 dans le 13^e arrondissement de Paris.

Rue C.A. Rosetti, une œuvre de Pisica Pătrată, a particulièrement attiré mon attention : des personnages rigolos se cachent dans les alcôves d’un bâtiment juste à côté de la maison de vente d’objets d’art Artmark. Pisica Pătrată est un des street artistes et illustrateurs roumains les plus appréciés et reconnus en Roumanie. C’est aussi le fondateur du musée Comic Books Museum. Ses personnages se situent toujours sur des bâtiments anciens de Bucarest. Son travail in situ dans la ville lui permet d’engager un dialogue avec des bâtiments historiques oubliés et de donner à voir ce patrimoine laissé à l’abandon. Il a notamment peint sur les bâtiments du Cinema Marconi et du Capitol Summer Theatre.

Une seconde fresque d’Obie Platon à l’angle de la rue Stirbei Voda et la rue Ion Campineanu pour le restaurant Bram Stoker représente le personnage historique de Vlad l’Empaleur, qui a inspiré le personnage romanesque de Bran Stoker Dracula. Figure mythique et emblématique de la culture populaire roumaine de Transylvanie, devenu un attrait touristique important pour la région.

En revenant dans le quartier de Lipscani, rue Victoriei, une œuvre de Cristian Pass réalisée en 2017 représente un aigle.

   2.   Une galerie à ciel ouvert

Lors de notre après-midi libre en fin de voyage, je me suis baladée vers un autre quartier proche de la station de métro Piţa Romană pour découvrir la rue Arthur Verona qui abrite la Graffiti Walls gallery. Pas d’espace intérieur pour cette galerie ou de site internet mais plein de fresques et graffitis qui recouvrent les murs de cette rue. Plusieurs murs de cette rue à l’angle avec la rue Dionisie Lupu sont supports à des fresques qui changent tous les ans lors du festival de culture urbaine Street Delivery.
Les fresques que j’ai pu découvrir ont donc été créées lors de l’édition 2018 du festival qui a lieu tous les ans en juin.

La plus grande est une œuvre collective réalisée par des artistes femmes sur le thème du Girl Power : Wanda Hutira, Livi Po, Grafette (Sandy Balasoiu & Irina Mocanu), Ana Constantinescu, Irina Giuglea, Laura Ionescu, Ira Merzlichin, Mihaela Semeniuc & Andreea Pe Câmpii.

L’année précédente en 2017, Obie Platon et le collectif NOM Crew s’étaient approprié ce mur pour une fresque intitulée « Don Quixote and the windmills » sur la question des effets de la technologie sur notre société contemporaine.

Le mur en face est recouvert par un autre artiste et illustrateur roumain de la scène artistique locale, Kseleqoqynqyshy. Il peint des univers presque enfantins et plein de poésie. Ses fresques sont des mini-villes dans la ville, peuplés d’animaux colorés.
Sur son instagram, il explique cet univers bien particulier :

A l’intérieur de chaque bâtiment, il y a un autre monde. Et dans ce monde, il y a une infinité de bâtiments dans lesquels chacun a d’autres univers à l’intérieur. Et sur chaque planète il y a un autre monde avec une infinité de bâtiments et de personnages. Donc, en gros, il y a une infinité d’univers.

Puis vient une autre grande fresque assez impressionnante de Kraser. L’artiste muraliste espagnol a ici choisi de représenter un ours brun, animal très présent dans les montagnes de Roumanie.

Le reste de la rue est recouverte de tags, graffiti et collages. Et on y retrouve à nouveau les traces d’AEUL et d’Ortaku !

En allant vers la place Piaţa Romană, j’ai découvert une dernière fresque également réalisée dans le cadre du festival Street Delivery en pignon d’immeuble qui surplombe la librairie Carturesi Liberia, boulevard Magheru. Son auteur, l’artiste Pisică Pătrată dont nous avons déjà parlé un peu plus haut, peint au même emplacement tous les ans une nouvelle œuvre sur le thème du livre, en référence à son emplacement au-dessus de la librairie.

Pour finir cette balade sur un mystère, parce que oui, quand on se passionne pour cet art, on est dans un stade constant d’enquête et d’observation (d’ailleurs n’hésitez pas à aller lire notre article « Comment nous trouvons les artistes des œuvres que l’on rencontre dans la rue »), voici une paire d’yeux qui observent la ville de haut… Situés sur un immeuble du quai Independenţei de la rivière Dâmboviţa, je n’ai trouvé aucune mention de cette œuvre sur internet.
Si vous en savez plus, laissez-nous un petit commentaire !

Voilà pour cette petite balade urbaine au fil des fresques rencontrées à Bucarest. J’espère que cela vous a fait voyager et que ça vous donne envie d’aller découvrir cette ville quand nous pourrons à nouveau partir à l’aventure dans des contrées lointaines !

Quelques références pour vous aider à préparer votre séjour :

• [EN] Les visites guidées street art de Bucharest Alternative Tour 
• [EN] Urban Collectors : galerie et bibliothèque spécialisée sur le street art
• [EN] Le site de Feeder.ro pour en savoir plus sur le projet Un-hidden Bucharest

Et pour plus de lecture, référez-vous à la bibliographie à la fin de Bucarest part.1 !

© toutes les photos de cet article sont d’InvisibleWalls.

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