El pasado mes de octubre, tuve la oportunidad de descubrir los esténciles de NeSpoon esparcidas en el pequeño balneario de Cefalù en Sicilia! Artista polaca multidisciplinaria, ella se inspira en los patrones de encaje tradicionales en su trabajo.

NeSpoon interpreta a su manera, a través del arte callejero, esta técnica artesanal ancestral que tiene «un código estético universal [con] profundas raíces en la mayoría de las culturas*». Como le gusta decir, NeSpoon «nació» en 2009 cuando pegó su primera obra de cerámica en una pared. Utiliza diferentes materiales y técnicas como la cerámica, el stencil y las instalaciones elásticas en espacios públicos para recrear estos motivos. Para NeSpoon, el encaje propone «simetría, orden y armonía que son cosas a las que todos aspiramos, nosotros los humanos*».
Más allá del arte callejero, también trabaja con pintura sobre lienzo, serigrafía y porcelana.

En Invisible Walls, conocíamos su trabajo por los grandes frescos que pintó para el festival Poliniza Dos en el barrio del Cabanyal de Valencia, y frente al Museo de Arte Urbano Urban Nation en Berlín. Pero, hasta entonces nunca habíamos visto su trabajo a menor escala y vandálico.

Estaba de vacaciones en Sicilia y un día fui a Cefalù a dar un paseo por la playa y me sorprendió gratamente encontrar estas pequeñas obras destacadas en el paisaje. Intrigada, le propuse a NeSpoon una breve entrevista para entender qué la había traído a esta ciudad ya que no es un destino de arte callejero, y para desvelar el misterio de sus esténciles

Siguiendo los pasos de NeSpoon en Cefalù

NeSpoon me confió que cuando pintó en Cefalù, el pasado julio, ella también estaba de vacaciones. Normalmente viaja mucho por toda Europa para participar en muchos festivales de arte urbano o para proyectos de encargo. Esta estancia fue un poco diferente para ella porque no fue invitada como artista. Pero la deformación profesional del artista callejero obliga, cuando uno pinta como vándalo, a dejar su huella por todas partes en su paso, incluso en las vacaciones a la orilla del mar! Además, fuera de los festivales o comisiones, NeSpoon siempre pinta de forma vandálica. Y cuando los festivales de arte urbano le piden que no lo haga, lo hace de todos modos porque es su medio de expresión artística.

En su práctica vandálica, NeSpoon adopta un enfoque muy espontáneo. No investiga nada. Ella camina por la noche y, tan pronto como lo siente, bombardea una plantilla. ¡Tan libre como eso!

En Cefalù, eligió colocar sus obras en las pequeñas puertas utilitarias de los servicios municipales, insertadas en las fachadas de las calles. El contraste de sus obras en las superficies lisas y metálicas de su soporte en medio de la rugosidad de las fachadas de piedra hace resaltar sus finos motivos. Aparecen como adornos de mobiliario urbano y subrayan la belleza de la arquitectura.

Durante su estancia y sus actividades nocturnas, conoció a muchos sicilianos, bastante jóvenes, que estaban muy entusiasmados con su trabajo. No tuvo reacciones negativas ni altercados con la policía. Sus amigos que la acompañaban no se sentían tranquilos al parecer al verla pintar ilegalmente en Sicilia, sobre todo en Palermo, donde se quedó un día, ¡me dijo en broma!

Ella crea y corta sus propias plantillas con el mismo rigor, paciencia y precisión que un encajero. Cortar las tallas pequeñas le lleva uno o dos días de trabajo. Este es el paso más importante para ella. Según ella, la pata del artista es reconocible en este trabajo de corte manual, mientras que un corte láser la despersonalizaría completamente.

En el momento de la aplicación, da una o dos capas de pintura. Muy a menudo uno de blanco luego uno de negro, o viceversa.

Para mi última pregunta, le pedí si tenías preferencias de arte urbano, sobre una obra, un artista o una ciudad de Italia. ¡No pudo elegir y no quiso decir nada porque tantos artistas increíbles han pintado en Sicilia! Por otra parte, no dudó en elegir su destino favorito de arte callejero: el festival Fame en Grottaglie, en el sudeste de Italia, en el que participó en 2011 y que le dejó una profunda impresión. Según ella, es el festival más independiente que ha hecho nunca. Muchos otros artistas de arte callejero de renombre internacional han pintado allí, como BLU, Conor Harrington, JR, Swoon, Vhils u Os Gemeos.

Podréis admirar muchas de las obras de NeSpoon en Italia. Ella viaja allí para pintar casi todos los años. Este año, después de su escapada en Cefalù, NeSpoon participó en septiembre en el festival Emergence en Oliveri. Ya había pintado un fresco para la edición de 2018 de este festival siciliano en Valverde. Y todavía en Sicilia, en 2019 estuvo en Favara para la primera edición de la Bienal de las Ciudades Incontables organizada por el Parque Cultural de la Granja.

¿Volvemos a Sicilia para las próximas vacaciones?

Una inmersión en los pensamientos y el compromiso de NeSpoon

Durante los veinte minutos de nuestra conversación, NeSpoon estaba modelando un trozo de pasta de porcelana mientras hablaba conmigo. Este pequeño trozo de pasta rápidamente tomó la forma de un pétalo, para su proyecto largo y corto «Thoughts» (pensamientios). Desde 2012, NeSpoon ha estado fabricando 50 kg de pétalos de porcelana por año. Cada pétalo toma un minuto de su tiempo (¡o la mantiene ocupada durante una conversación un poco más larga!) y todos sus pétalos se reúnen en una gran mesa durante sus exposiciones. ¡Los visitantes pueden tocarlos y sentir un poco de los pensamientos del artista mientras se hacen! ¿Su objetivo? ¡Tener 1500 kg de pétalos en 2041!

El día de nuestra reunión virtual, el 30 de octubre, tuvo lugar una de las manifestaciones más importantes en Varsovia a favor del derecho al aborto, tras la sentencia del Tribunal Constitucional polaco del 22 de octubre que hacía casi ilegal el aborto. Nespoon se preparaba para participar esa misma tarde. 100.000 personas se reunieron ese día y muchos artistas estuvieron presentes. La artista feminista Ola Jasionowska diseñó un rayo rojo que se convirtió en un símbolo de estos eventos. A principios de diciembre, cuando publicamos este artículo, las manifestaciones siguen en Varsovia por quinta semana consecutiva.

⇒ Encontrad NeSpoon en su Instagram, Facebook o Behance ⇐

¡Espero que hayan disfrutado de este artículo! Siéntase libre de dejarnos sus comentarios
Y nos vemos en @invisiblewalls.eu para el resto de nuestros descubrimientos de arte callejero en Sicilia, ¡esta vez en dirección a Palermo!

*Citas de Le street art au féminin de Xavier Tapies.
Otro recurso interesante: NeSpoon Artbook preview.

© Todas las fotos son de Invisible Walls.

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Ememem practica el «flacking«, ¡un término que inventó él mismo* para describir su proceso de «llenado» de agujeros! Para este pequeño artículo, queríamos hablaros de este artista con una técnica muy especial.

Crea obras de arte para rellenar o reparar trozos de la acera, y a veces una pared. ¡Paleta en mano, Ememem utiliza mosaicos y cerámica para dar pequeños toques de poesía y color a nuestras calles mientras aligera la carga de trabajo del departamento de carreteras!

Intrigadas desde hace tiempo por su técnica y las etapas de realización de sus obras nos pusimos en contacto con Ememem, quien nos respondió por escrito para mantener su anonimato. ¡Así nos explicó su trabajo y su proceso creativo, no sin añadir una buena dosis de humor a su mensaje!

Ememem elige sus lugares al azar durante sus paseos. Se deja llevar por los ruidos de la ciudad y permanece atento a los agujeros que le hablan y le inspiran, ¡porque como él dice tan bien, hay agujeros que «vibran y otros que no»!

Para la elección de los patrones y colores, la magia opera en las discusiones íntimas entre el artista y su sujeto. El resto seguirá siendo un misterio y no sabremos más…

La mayor parte del trabajo de Ememem esta producido de manera ilegal. La pregunta que surge entonces es: ¿cómo hace para crear obras in situ, tan meticulosas y a medida, en la vía pública sin ser interrumpido?

La respuesta es simple, no hay una receta milagrosa. Trabaja de noche para poder aislarse.
Nunca se ha sentido en una posición de ilegalidad. Al tapar los baches de una ciudad, ¿estamos realmente en una forma de vandalismo que presupone un ataque al espacio público? ¡Ememem no degrada ninguna propiedad pública, incluso repara la ciudad! Las pocas veces que Ememem se encontró con la policía, se fueron sin multarle. ¡A veces incluso le animaban!

En cuanto a su tiempo de creación, es bastante relativo ya que puede dedicar entre una hora y seis horas a hacer un lifting a un agujero. Todo depende de las condiciones meteorológicas, el tamaño del revestimiento, los materiales utilizados (todos de salvamento), las condiciones iniciales del bache, etc. La última etapa del proceso, el secado, es siempre la más larga.

En resumen, el artista trabaja libremente, en el anonimato y la soledad de la noche.

>>> el Instagram del artista aquí <<<

Para nosotros, sus obras son pequeñas pepitas que encontramos por casualidad en las calles de París. Iluminan nuestro día tanto como el famoso mal tiempo parisino. ¡Así que agradecemos a Em Emem por sus trabajos y sus respuestas llenas de entusiasmo!

Esperamos que los flackings que encontraréis en vuestras aceras os produzcan el mismo efecto, y que este artículo os haya permitido identificar o descubrir esta técnica

Para concluir, aquí hay otro artista muy conocido en la escena internacional que utiliza una técnica similar para «reparar» las paredes dañadas, ¡usando lego esta vez! Este es Jan Vormann y os dejamos descubrir su trabajo aquí.

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*Según algunas leyendas urbanas, el término ‘flacking’ apareció en una noche algo borracha y Ememem lo habría conservado para hablar de su práctica.

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Maye es un artista francés que trabaja en el espacio público. Empezó con el graffiti y luego evolucionó en el mundo más institucionalizado del arte urbano contemporáneo. Sus murales están poblados de personajes filiformes y demacrados y su universo es un complejo entramado de detalles que encarnan un frágil equilibrio.

Inspirado en su arte por las culturas urbanas y nómadas, el graffiti cubre sus ciudades, los tatuajes decoran sus personajes, la música y los juegos puntuan su universo. El resultado nos sumerge en las profundidades de un mundo imaginario atípico y lleno de poesía.

Los frescos de Maye se constituyen en historias que debemos tomarnos el tiempo de contemplar para apreciar todo su contenido. El mensaje que emerge en su trabajo se refiere a menudo a la ecología y a los excesos de la modernidad de nuestras sociedades humanas.

Uno de sus frescos se puede ver en París en el 131 del bulevar Vincent Auriol, creado como parte del proyecto Boulevard Paris 13. Es un recorrido de 50 murales repartidos por todo el distrito con la línea 6 del metro como eje principal. La obra realizada por Maye evoca la Camarga, región del Sur de Francia de donde es originario.

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Este artículo fue publicado originalmente para Artenders, un medio de arte contemporáneo francés e incubadora artística.

Descubrid nuestro artículo sobre el barrio Paris Rive Gauche, un importante punto de graffiti en el distrito 13, a pocos pasos del Boulevard Vincent Auriol.

-El Instagram y Facebook del artista-

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Foto de la portada: pintura sobre lienzo de Maye, presentada durante la exposición colectiva «Walking down the boulevard» (2019) en la galería Itinerrance de París.

© Todas las fotos son de Invisible Walls.

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Este otoño tuvimos la oportunidad de ir a Londres para redescubrir el trabajo de Pichi y Avo en la inauguración de su exposición «Marbles and Bronzes» en la Galería Stolen Space en el corazón de Shoreditch.

Pichi y Avo es un dúo de artistas que mezclan el arte clásico y el grafiti, inspirados en los maestros de la escultura antigua y en los precursores del grafiti de los años 70 y 80 en los Estados Unidos. Estudiaron Bellas Artes y Diseño y se conocieron en la escena del grafiti valenciano. Pichi y Avo (o Juan Antonio y Álvaro) decidieron entonces dejar de lado “el ego del artista” como les gusta declararlo, para trabajar en total colaboración desde 2007 y centrarse sólo en el resultado de la obra.

La exposición en Londres se titula «Marbles and Bronzes». Está construida como un estudio de las esculturas del período clásico, específicamente las de mármol y bronce.

Se exhiben varios dibujos en blanco y negro, así como numerosos lienzos. Una obra en 3D se coloca magistralmente en el centro de la galería, como una miniatura de las esculturas que representan a través de todas sus obras.

Pichi y Avo rinde homenaje a estas excepcionales esculturas clásicas. ¡Traen de vuelta a la vida esas figuras y estatuas míticas que en su tiempo estaban cubiertas de color! Con el tiempo el color ha desaparecido y hoy en día asociamos la belleza de estas esculturas clásicas con su blancura. ¡Pichi y Avo les devuelve sus colores y las reinterpreta en un estilo de arte urbano contemporáneo!

En su muy prolífico trabajo, mezclan técnicas y medios: paredes, lienzos, estatuas… Sus pinceladas son casi translúcidas y el trabajo de detalle es extremadamente meticuloso, hasta el punto de terminar algunas de sus obras con pan de oro.

Una pequeña marca, la bombilla, que se encuentra en todas sus obras como una pequeña firma “tag”, es el símbolo de la idea y la creatividad. “It’s a familiar element that everyone recognizes and gradually with new technologies is disappearing despite attempts to maintain its place.” (PichiAvo interview for Graffiti Street).

Ahora son artistas muy conocidos, han participado en muchos festivales y eventos internacionales de arte callejero: el festival POW WOW con el segundo mayor fresco del mundo en colaboración con Vhils, la inauguración del Urban Nation en Berlín, y luego hicieron su debut en Londres con la exposición In God We Trust en 2017 en la Galería Unit.

En cuanto a nosotros, los descubrimos en su exposición en el Claustro del Centro Cultural del Carmen en Valencia en 2019. Las imágenes son locas y la asociación de grafiti en este lugar de patrimonio fue bastante mágica. Y ese mismo año hicieron la gran Falla de Valencia, ¡una escultura de 26 metros de altura!

¡De todos modos, somos fans! Entre historia y arte callejero, la asociación de estos temas nos parece fascinante y eso es lo que nos une a Invisible Walls

Stolen Space es una galería del artista londinense D*Face que lleva 11 años exponiendo artistas de arte contemporáneo urbano. Las exposiciones cambian regularmente y últimamente hemos visto obras de D*Face, por supuesto, pero también de Maye, Kai & Sunny y Bruck entre otros. Las inauguraciones son siempre muy agradables y es la oportunidad de ir y hablar con los artistas cara a cara o … en instagram live : descubra el video en directo entre Pichi y Avo y las personas presentes en la inauguración.

© Todas las fotos son de Invisible Walls.

→ Si os perdisteis nuestro último artículo, podéis coger un billete para Ibiza haciendo clic aquí

L’article <p class="has-medium-font-size">Retrato de Pichi y Avo en la ocasión de su exposición Marbles and Bronzes en la Stolen Space Gallery de Londres est apparu en premier sur Invisible Walls.

Grandes noticias que han sido un bálsamo para nuestros corazones todo el verano: hemos sacado nuestras pegatinas de Invisible Walls para invadir nuestras ciudades – y las vuestras

Como habréis podido observar, ¡están inspirados en el bonito banner de nuestro blog! El motivo se basa en una foto de azulejos en Lisboa.

Los azulejos son tradicionales de España y Portugal y cubren las fachadas de las casas. Podéis ver bastante en el Cabanyal

Nos pareció lógico involucrarnos en el juego de arte callejero, desarrollando nuestro propio sticker. Hemos integrado un código QR para permitiros acceder directamente a nuestro web y multiplicar las puertas de entrada a nuestros muros invisibles.

Para el diseño colaboramos con Cali O, un joven artista inglés autodidacta y multidisciplinario. Desarolla su práctica artística entre el diseño gráfico, el arte callejero y la cerámica en una paleta de motivos azules y rojos contrastantes inspirados en los mandalas.

¡A vuestros muros y a vuestras cámaras!

No dudéis en escribirnos si queréis recibir vuestro pequeño lote de pegatinas por correo. Y no olvidéis publicar las fotos de vuestros collages y etiquetarnos en insta @invisiblewalls.eu y #invisiblewalls!

L’article <p class="has-medium-font-size">Sorpresa: ¡nuestras pegatinas están fuera! est apparu en premier sur Invisible Walls.

Fotógrafo y artista de referencia, Thomas Jorion captura la belleza de las ruinas y el patrimonio olvidado. En la terraza de un café a orillas del canal de Ourcq, sus recuerdos de juventud fueron barridos y su experiencia ilegal, inherente a su enfoque urbex, fue discutida.

Desde sus primeras exploraciones urbanas hasta la afirmación de su carrera artística, queríamos conocer los detalles de dos de sus proyectos que nos marcaron particularmente: La Línea del Olvido y la Piscina Molitor.

Enfoque de la serie The Forgotten Line, La Petite Ceinture es una antigua línea de ferrocarril que rodea París. Tiene 32 kilómetros de largo y en el siglo XX sirvió a unas treinta estaciones. Ahora en desuso, las estaciones han sido rehabilitadas como sitios culturales y la línea se ha convertido en un paseo.

También en París, en el distrito 16, la Piscina Molitor, que era a la vez una piscina y un sublime edificio Art Decó. Cerrado en 1989, fue clasificado como monumento histórico en 1990 pero abandonado, se convirtió en la Meca del graffiti vandálico parisino hasta la década de 2000. El lugar fue finalmente restaurado en 2014 como un hotel de lujo.

Para esta entrevista, nos hemos asociado con la joven plataforma Artenders. Los medios de arte contemporáneo invirtieron en la promoción de los artistas franceses y en la consolidación de una red de profesionales y entusiastas.

Si queréis descubrir su video retrato de Thomas Jorion, ¡está aquí!

Por mi parte, descubrí la obra de Thomas Jorion durante mi pasantía en el Centre des monuments nationaux el año pasado, cuando coordinaba una exposición en el Château François I de Villers-Cotterêts. Antes de la restauración, Thomas Jorion había llegado a inmortalizar el interior de este patrimonio renacentista para dar testimonio de su tumultuosa historia y la herencia que representa.

Estoy encantada de haber podido reunirme con él de nuevo en Invisible Walls para esta fascinante entrevista. Disfruta de la lectura

1. ¿Por qué fotografías las ruinas?

Sólo sucedió por casualidad. Crecí en el Val-de-Marne, en Champigny-sur-Marne, y en esa época tenía cierta pasión por películas como Indiana Jones o Los Goonies. Había hecho amigos en ese universo y nos gustaba ir después de la escuela o en la hora del almuerzo a un garaje abandonado junto a la universidad. Nos asustábamos un poco, fumábamos cigarillo. Y eventualmente, es algo que duró. Hicimos algunas investigaciones en la zona, incluso yendo al ayuntamiento, al departamento de cartografía para ver si había otros edificios o zonas abandonadas en la zona. Y luego crecimos. Después de graduarme en la escuela secundaria, fui a la escuela de leyes sin mucha pasión y compré una cámara. Espontáneamente quise fotografiar las ruinas. Creo que había un deseo de salvarlos, porque tenía la sensación de que estaba fotografiando edificios que estaban a punto de derrumbarse o dañarse.

No hablamos de Urbex en ese momento. Hoy en día, es un término práctico.

2. ¿Cuáles fueron tus primeras exploraciones?

Estábamos muy aburridos, no teníamos videojuegos, Internet. Así que a menudo íbamos al garaje abandonado junto a la universidad, a orillas del Marne. La arquitectura en sí no era muy interesante, pero era agradable ir allí. Recuerdo que se podía subir al techo pasando por un agujero con una cuerda. ¡Eso fue divertido! Y más cerca de mi casa, había una casa de principios del siglo XIX. Había un pequeño cenador y una carpa en la entrada, y una escalera de madera que subía a los pisos superiores. Eso fue más fuerte porque era un interior residencial.

Esos fueron los dos primeros lugares que exploré cuando era muy joven. Más tarde, me mudé a Seine-et-Marne y exploré los castillos. El de Lesigny, por ejemplo, y el castillo de Malnoue, en el lado de Pontault-Combault.

3. ¿Cómo eliges los lugares que fotografías?

Al principio fotografiaba ruinas porque si. Desde un almacén, por ejemplo, el almacén de aduanas en Pantin, desde la Petite Ceinture hasta lugares en Bélgica, fábricas, casas o chalets en Italia. Era algo que no se hacía realmente en la fotografía.

En un momento dado, me di cuenta de que tenía que organizarlo por series o temas. Tenía que ser vinculado con la historia. Creo que el ejemplo más importante fue esta serie sobre los vestigios del imperio colonial francés que fotografié de 2013 a 2016: Vestigios del Imperio. Fue interesante volver a esos rastros del pasado. Cuando el colonizador construye un matadero en Casablanca, hace algo que permanecerá en el tiempo por un estilo arquitectónico, por el hecho de que de repente es Europa la que construye en el Magreb.

4. ¿Cuál es tu relación con el arte callejero?

Estuve en la universidad en los años 1988-89. Fue el comienzo del rap, de la cultura hip-hop en Francia, y yo tenía amigos que empezaban a hacer firmas  en la calle. ¡Fue genial!

¿Lo has probado?

No mucho, pero es algo que me gusta, algo que me toca, ¡que me habla!

Y por supuesto, las ruinas son lugares convenientes para la expresión. Creo que al principio me molestó porque me gustaba el lado inmaculado de las ruinas. Pero depende del contexto. Tomo el ejemplo del Pequeño Cinturón, creo que es un elemento [graffiti] que aporta mucho. Me gusta mucho encontrar eso en ciertos lugares.

Recuerdo, por ejemplo, la fábrica de aire comprimido de Sudac en el distrito 13, cerca de la Porte d’Ivry, a orillas del Sena. Hoy es una escuela de arquitectura [École Nationale Supérieur d’Architecture Paris Val-de Marne – ENSAPVS] pero en su momento, cuando era una ruina, era una catedral de grafitis. ¡Era realmente brutal en este lugar industrial! ¡Me gustó eso!

¿Hubo algún artista u obra de arte callejero que te impresionara?

Pienso en el artista André en el momento en que de repente los grafiteros comenzaron a desarrollar otro estilo y se destacaron, aunque creo que todavía es actual. Siempre intentamos destacarnos por un nombre, una letra o una posición.

5. ¿Cuánto de ilegal tiene tu obra? ¿Y cuántos de tus proyectos son encargados?

El 90 o 95% de lo que hago no está autorizado porque es muy complicado conseguir el permiso. Tienes que identificar a un propietario, explicarle su enfoque, y luego hay cuestiones de seguros también… Ahora que empiezo a ser conocido, me han ofrecido comisiones, a menudo carta blanca, que es un inventario de las instalaciones antes de la transformación. Por ejemplo, el castillo de Villers-Cotterêts, en tan mal estado que bien podría haber sido fotografiado como urbex.

¿Te atrae el lado prohibido?

¡Es obvio, no tiene nada que ver con eso! La adrenalina hace que tengas una agudeza realmente diez veces mayor y que vayas a lo esencial. A veces incluso me cuesta conseguir el mismo ritmo de imagen cuando se encarga. Para mí, es obvio hacerlo en modo vándalo. Tengo acceso a lugares a los que nunca tendría acceso de otra manera.

Artenders : Lo que me conmueve en tus producciones es que nunca ves al hombre pero siempre lo sientes. Tal vez, con este permiso, hay un lugar para el hombre que es diferente porque el lugar ya no está abandonado al final. De la misma manera, el arte callejero perturba este abandono en sus pinturas… ¡Sus fotos, perdón! ¡Es gracioso que diga pintura porque algunos de ellos realmente se parecen!

¡Muy a menudo la gente tiene la impresión de ver pinturas! Creo que es el hecho de usar el negativo en color, las grandes tomas de película que uso en el dormitorio y la impresión en papel artístico con un poco de algodón lo que realmente da esta impresión.

El graffiti de repente se llevará el lado inmaculado. Va a ser más difícil viajar por el lugar, en la imagen, porque hay una forma de apropiación. De repente, nos devuelve a la actualidad.

6. Me gustaría discutir uno de tus primeros proyectos: la Petite Ceinture. ¿Por qué querías explorarlo?

Lo descubrí muy pronto con este mismo grupo de amigos cuando buscábamos el acceso a las catacumbas. El primo de un amigo nos dijo que había un acceso en el sur de París, desde una línea de ferrocarril en desuso. No teníamos GPS, ni Internet y sigue siendo una línea de más de 30 km de largo. Está en sitios un poco escondidos, en túneles o en partes altas, así que no lo encontramos directamente. Finalmente encontramos un acceso más al norte, hacia la Puerta de Clichy. Encontré las fotos que había tomado con la cámara analógica en ese momento, los túneles que entonces todavía estaban iluminados. Era el fin del tráfico ferroviario [1996] pero aún parecía hiperactivo, así que esperábamos toparnos con un tren en cualquier momento, o encontrarnos con gente… estábamos realmente en la cima de nuestra adrenalina.

Luego, por casualidad, volví varias veces. Me mudé al distrito 19 a principios de 2000 y empecé a explorar toda esa zona. Me estaba metiendo más y más en la fotografía en ese momento y probando cámaras en esas áreas en desuso. Tenía la sensación de que era un universo que iba a cambiar, evolucionar o desaparecer. Me encanta tal como está hoy: abandonado, salvaje y etiquetado. Es uno de los pocos lugares donde ya no se puede oír el ruido de la ciudad. Es un verdadero cambio temporal.

7. ¿Puedes contarnos tu experiencia en la Piscina Molitor ?

Lo descubrí mientras visitaba los invernaderos de Auteuil, otro lugar en desuso menos conocido. A lo lejos había visto un edificio completamente pintado y firmado. Era la piscina de Molitor pero estaba completamente cerrada. Y luego, encontré un amigo para ir juntos, sobre el año 2010. Para llegar allí, tuvimos que organizarnos. Llegamos a las 5 de la mañana con una escalera en el coche. Subimos por el techo, entramos y esperamos a que amaneciera para tomar fotos. Y entonces nos dimos cuenta de que había alguien allí. Pensamos que era un cuidador, pero en realidad era un artista que vivía allí. Ayudó a regular un poco el aceso y las actividades en el lugar. Era una época en la que estaba un poco más organizado. Antes de eso, creo que estaba abierto de par en par y muchos artistas callejeros fueron allí.

Así que fui allí por primera vez en modo ilegal por la noche, y dos años más tarde pude volver allí oficialmente para hacer un inventario del lugar antes de que fuera transformado. Ahora tenía las llaves del lugar para mí solo. El artista que estaba cuidando el lugar se había ido.

Hoy en día, se ha convertido en un hotel de lujo. Tuvieron que demoler el 90% del edificio para reconstruirlo de forma idéntica, lo que les permite seguir contando la historia.

8. ¿Hay otros lugares abandonados en París o en la metrópoli del Gran París que no hayas explorado o a los que te gustaría volver?

No lo sé todo y siempre hay pequeños lugares que se abren, edificios, fábricas… Por ejemplo, en este momento hay una fábrica en el sur de París que está siendo desmantelada. Y luego, todavía voy a la Petite Ceinture de vez en cuando. Fui allí no hace ni un mes. Lo que me gusta de la Petite Ceinture es que en todo momento de mi carrera siempre me ha traído cosas nuevas. Cuando quise fotografiar la arquitectura, había cosas que se encontraban allí.  Si buscara seres humanos, hay gente que vive allí. Eso es lo que me gusta mucho de esta Petite Ceinture, que irá desapareciendo poco a poco. Es un lugar de libertad donde puedes ir y hacer lo que quieras. Por cierto, me preguntaste si había ido a hacer grafitis : ¡había intentado hacer esténcil, lo había olvidado!  En un momento me apetecía hacer plantillas, me paseé por la Petite Ceinture de noche e hice plantillas.

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Como de costumbre, os ofrecemos algunos recursos adicionales para profundizar en el tema:

– El sitio web de Thomas Jorion para descubrir la totalidad de su trabajo

– The Forgotten Line, un artículo en inglés sobre la Petite Ceinture de un periódico sobre arquitectura y urbanismo.

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Entrevista realizada por Invisible Walls, con la colaboración de Artenders.

L’article <p class="has-medium-font-size">Thomas Jorion – La Petite Ceinture y la Piscina Molitor, ruinas sublimadas por el fotógrafo est apparu en premier sur Invisible Walls.

Artista callejero de Valencia, se aparenta a los que llamamos los invasores, sin restringirse a esta práctica. En este artículo, he querido ir más allá del relato más clásico de un viaje y enfoque artístico, para abordar una experiencia inherente al arte callejero: la del vandalismo.

Este no es un retrato de artista

El Señor Jank ha conquistado el centro de la ciudad y los distritos de Saidia cubriendo los espacios públicos con pegatinas y collages que representan los contornos gráficos de una cabeza de felino, en la efigie de uno de sus gatos blancos y negros. Es este símbolo el que lo hace particularmente reconocible. Si estais en Valencia, lo más probable es que si no lo conocéis, no podréis apartar la vista sin encontraros con una de sus obras. De lo contrario, tal vez la casualidad os lleve a encontrar uno de ellos en París, Bruselas, Burdeos, Praga, Bolonia, Nantes, Bonn o Lisboa…

Jank ha estado creando en la calle desde 2018. Se le ocurrió la idea espontáneamente, guiada por su curiosidad y su amor por las pegatinas.

Es que no había nada premeditado, iba haciendo las cosas conforme me iban apeteciendo y me iban llamando la atención. Pegar cosas en la calle es una forma mas visible de compartir lo que haces. Es el juego, ¿no? Como los que hacen firmas por ahí. Lo único es que como no es algo concreto como una firma quizá llama más la atención porque no sabes de qué será ese «gato»

Jank

Una de sus principales características: hace las cabezas de sus gatos a mano. Podía imprimir cantidades más grandes y mostrar aún más. ¡Pero prefiere dibujarlas él mismo!

Lo que realmente aprecio de él es que siempre está innovando en sus técnicas.  Adepto al paste-up y a la fotografía, se renueva mezclando estilos y figuras. Además, a veces utiliza el diseño gráfico y el dibujo, y luego integra imágenes de personajes de la vida real que retoca para hacer montajes. En el barrio del Carmen, se puede observar: un cosmonauta flotando con un gato escondido detrás de la visera, un bebé cuyo rostro ha sido reemplazado por la cabeza de un mono, un turista fotografiando su emblema de artista o sus dos gatos pequeños uno al lado del otro.

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Es nuestra pasión común por el arte callejero, Valencia y los gatos lo que nos ha permitido conocer y charlar. Nunca antes había participado en el juego de arte callejero, yendo a poner obras de arte en la calle ilegalmente. Como amante apasionado de esta práctica artística, me di cuenta de que echaba de menos la experiencia. El vandalismo es la esencia del arte callejero. Todos los artistas callejeros tienen, o han tenido, una práctica vandálica antes de entrar en galerías e instituciones. Invertir en la calle es una especie de autoeducación.

Jank: el saber hacer de un vándalo

El verano, Jank me ofreció amablemente a elegir un foto de mi gato para imprimirla y exhibirla en el Cabanyal, en un barrio donde aún no había puesto nada. Doblemente entusiasta (es mi lugar favorito de la ciudad), quedamos un lunes por la noche, en el mes febrero pasado, para asegurarnos de que nos encontramos con el menor número de personas posible. Aquí estábamos, armados con una pila de papelería, listos para pegar por todo el vecindario!

En una gran bolsa de Mercadona había colocado: un cubo, una escoba pequeña, una botella de agua, una bolsa de polvo de pegamento y sus obras. Esta organización tiene dos objetivos: pegar con rapidez y discreción. Sólo le falta verter el agua y el pegamento en el cubo y mezclarlo todo con su escoba.

Antes de ponerse manos a la obra, Jank necesita pensar en un lugar para llamar la atención de la gente. Algunos de los encolados son parte del proceso de «invasión» y deberían ser reconocibles al instante. También hay que considerar la duración de la obra. Para protegerlos un poco de las inclemencias del tiempo, él favorecerá los rincones ligeramente cubiertos, bajo una cornisa por ejemplo. Si tiene tiempo y un palo suficientemente largo, intentará colocarlos en lo alto, fuera del alcance de aquellos que quieran arrancarlo o marcarlo.

La obra se encuentra detrás de un supermercado. Aparentemente, con el confinamiento, la fila de espera afuera produce un efecto extraño: parece que el policía golpea a la gente (que está escondiendo la puerta)
Fuente : instagram.com/curiosity_2

Por otro lado, algunas obras han sido diseñadas para interactuar con el enterno. Este es un proceso recurrente en el arte urbano y es una forma más lúdica de atraer la atención de los transeúntes. En la Saïdia, colocó un policía con un ariete listo para cargar contra una puerta doble de metal. ¡La representación es más verdadera que la vida!

Y es con el mismo proceso con el que integramos la fotografía de mi gato. Jank ve un marco de puerta a lo lejos, en medio de un muro de hormigón, en un callejón desierto cerca de la playa. Sumerge su escoba en pegamento, saca la impresión de mi gato que coloca en la escoba, apunta al punto, pega la foto antes de volver a repasarla y alisarla. ¡Unos retoques y listo! El gesto es furtivo, casi parece una coreografía: duró apenas 10 segundos. Resultado, parece que mi gato está tirado en la esquina de esta puerta, contemplándonos pícaramente o mirando a los transeúntes en la calle. A partir de ahora, dondequiera que esté, en Valencia en París, siempre estará ahí, en casa

>>> nuestro artículo sobre el arte callejero en el barrio Cabanyal-Canyamelar.

Conquistar el Cabanyal

Luego, caminamos por las calles en busca de otros lugares en llevando el cubo lleno de pegamento con el resto del material, bien camuflado por la bolsa de la compra en caso de que nos encontremos con la policía.

Para la exhibición de las cabezas de los gatos, le tomó apenas 3 segundos, ¡puedo testificar! Está acostumbrado a ello y este tipo de paste-up es más simple que otras obras con un formato más grande y contornos menos lineales, pero aún así es bastante impresionante. Para una obra más grande cuya ubicación y disposición son cruciales para darle significado, probablemente se habría limitado a un área con la que está más familiarizado. Y sólo habría pegado uno. En esto, Jank es un alma prudente e igualmente espontánea. Es el tipo de persona que se inspira repentinamente en un lugar, al que luego regresa casi inmediatamente para colocar la obra que cree que le corresponde.

La ventaja es que pudo pegar una docena de ellos en el vecindario esa noche, y en poco tiempo. Esperemos que esto fue también una oportunidad para explorar para que se aventurara otra vez…

Los pocos testigos en la calle no tuvieron ninguna reacción. En su experiencia, la gente raramente reacciona o sólo por curiosidad e interés benévolo. Por suerte, tampoco nos encontramos con la policía.

Espero que este relato personal le haya permitido familiarizarse, más allá de su imaginación, con el trabajo de un artista y la práctica del vandalismo. Si le ha gustado el tema, planeamos explorar ciertos aspectos de él más pronto .

Gracias a Jank por dejarme acompañarlo esa noche, por aceptar responder a mis miles de millones de preguntas y por estos momentos de compartir con una cerveza!

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