El pasado mes de octubre, tuve la oportunidad de descubrir los esténciles de NeSpoon esparcidas en el pequeño balneario de Cefalù en Sicilia! Artista polaca multidisciplinaria, ella se inspira en los patrones de encaje tradicionales en su trabajo.

NeSpoon interpreta a su manera, a través del arte callejero, esta técnica artesanal ancestral que tiene «un código estético universal [con] profundas raíces en la mayoría de las culturas*». Como le gusta decir, NeSpoon «nació» en 2009 cuando pegó su primera obra de cerámica en una pared. Utiliza diferentes materiales y técnicas como la cerámica, el stencil y las instalaciones elásticas en espacios públicos para recrear estos motivos. Para NeSpoon, el encaje propone «simetría, orden y armonía que son cosas a las que todos aspiramos, nosotros los humanos*».
Más allá del arte callejero, también trabaja con pintura sobre lienzo, serigrafía y porcelana.

En Invisible Walls, conocíamos su trabajo por los grandes frescos que pintó para el festival Poliniza Dos en el barrio del Cabanyal de Valencia, y frente al Museo de Arte Urbano Urban Nation en Berlín. Pero, hasta entonces nunca habíamos visto su trabajo a menor escala y vandálico.

Estaba de vacaciones en Sicilia y un día fui a Cefalù a dar un paseo por la playa y me sorprendió gratamente encontrar estas pequeñas obras destacadas en el paisaje. Intrigada, le propuse a NeSpoon una breve entrevista para entender qué la había traído a esta ciudad ya que no es un destino de arte callejero, y para desvelar el misterio de sus esténciles

Siguiendo los pasos de NeSpoon en Cefalù

NeSpoon me confió que cuando pintó en Cefalù, el pasado julio, ella también estaba de vacaciones. Normalmente viaja mucho por toda Europa para participar en muchos festivales de arte urbano o para proyectos de encargo. Esta estancia fue un poco diferente para ella porque no fue invitada como artista. Pero la deformación profesional del artista callejero obliga, cuando uno pinta como vándalo, a dejar su huella por todas partes en su paso, incluso en las vacaciones a la orilla del mar! Además, fuera de los festivales o comisiones, NeSpoon siempre pinta de forma vandálica. Y cuando los festivales de arte urbano le piden que no lo haga, lo hace de todos modos porque es su medio de expresión artística.

En su práctica vandálica, NeSpoon adopta un enfoque muy espontáneo. No investiga nada. Ella camina por la noche y, tan pronto como lo siente, bombardea una plantilla. ¡Tan libre como eso!

En Cefalù, eligió colocar sus obras en las pequeñas puertas utilitarias de los servicios municipales, insertadas en las fachadas de las calles. El contraste de sus obras en las superficies lisas y metálicas de su soporte en medio de la rugosidad de las fachadas de piedra hace resaltar sus finos motivos. Aparecen como adornos de mobiliario urbano y subrayan la belleza de la arquitectura.

Durante su estancia y sus actividades nocturnas, conoció a muchos sicilianos, bastante jóvenes, que estaban muy entusiasmados con su trabajo. No tuvo reacciones negativas ni altercados con la policía. Sus amigos que la acompañaban no se sentían tranquilos al parecer al verla pintar ilegalmente en Sicilia, sobre todo en Palermo, donde se quedó un día, ¡me dijo en broma!

Ella crea y corta sus propias plantillas con el mismo rigor, paciencia y precisión que un encajero. Cortar las tallas pequeñas le lleva uno o dos días de trabajo. Este es el paso más importante para ella. Según ella, la pata del artista es reconocible en este trabajo de corte manual, mientras que un corte láser la despersonalizaría completamente.

En el momento de la aplicación, da una o dos capas de pintura. Muy a menudo uno de blanco luego uno de negro, o viceversa.

Para mi última pregunta, le pedí si tenías preferencias de arte urbano, sobre una obra, un artista o una ciudad de Italia. ¡No pudo elegir y no quiso decir nada porque tantos artistas increíbles han pintado en Sicilia! Por otra parte, no dudó en elegir su destino favorito de arte callejero: el festival Fame en Grottaglie, en el sudeste de Italia, en el que participó en 2011 y que le dejó una profunda impresión. Según ella, es el festival más independiente que ha hecho nunca. Muchos otros artistas de arte callejero de renombre internacional han pintado allí, como BLU, Conor Harrington, JR, Swoon, Vhils u Os Gemeos.

Podréis admirar muchas de las obras de NeSpoon en Italia. Ella viaja allí para pintar casi todos los años. Este año, después de su escapada en Cefalù, NeSpoon participó en septiembre en el festival Emergence en Oliveri. Ya había pintado un fresco para la edición de 2018 de este festival siciliano en Valverde. Y todavía en Sicilia, en 2019 estuvo en Favara para la primera edición de la Bienal de las Ciudades Incontables organizada por el Parque Cultural de la Granja.

¿Volvemos a Sicilia para las próximas vacaciones?

Una inmersión en los pensamientos y el compromiso de NeSpoon

Durante los veinte minutos de nuestra conversación, NeSpoon estaba modelando un trozo de pasta de porcelana mientras hablaba conmigo. Este pequeño trozo de pasta rápidamente tomó la forma de un pétalo, para su proyecto largo y corto «Thoughts» (pensamientios). Desde 2012, NeSpoon ha estado fabricando 50 kg de pétalos de porcelana por año. Cada pétalo toma un minuto de su tiempo (¡o la mantiene ocupada durante una conversación un poco más larga!) y todos sus pétalos se reúnen en una gran mesa durante sus exposiciones. ¡Los visitantes pueden tocarlos y sentir un poco de los pensamientos del artista mientras se hacen! ¿Su objetivo? ¡Tener 1500 kg de pétalos en 2041!

El día de nuestra reunión virtual, el 30 de octubre, tuvo lugar una de las manifestaciones más importantes en Varsovia a favor del derecho al aborto, tras la sentencia del Tribunal Constitucional polaco del 22 de octubre que hacía casi ilegal el aborto. Nespoon se preparaba para participar esa misma tarde. 100.000 personas se reunieron ese día y muchos artistas estuvieron presentes. La artista feminista Ola Jasionowska diseñó un rayo rojo que se convirtió en un símbolo de estos eventos. A principios de diciembre, cuando publicamos este artículo, las manifestaciones siguen en Varsovia por quinta semana consecutiva.

⇒ Encontrad NeSpoon en su Instagram, Facebook o Behance ⇐

¡Espero que hayan disfrutado de este artículo! Siéntase libre de dejarnos sus comentarios
Y nos vemos en @invisiblewalls.eu para el resto de nuestros descubrimientos de arte callejero en Sicilia, ¡esta vez en dirección a Palermo!

*Citas de Le street art au féminin de Xavier Tapies.
Otro recurso interesante: NeSpoon Artbook preview.

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Ememem practica el «flacking«, ¡un término que inventó él mismo* para describir su proceso de «llenado» de agujeros! Para este pequeño artículo, queríamos hablaros de este artista con una técnica muy especial.

Crea obras de arte para rellenar o reparar trozos de la acera, y a veces una pared. ¡Paleta en mano, Ememem utiliza mosaicos y cerámica para dar pequeños toques de poesía y color a nuestras calles mientras aligera la carga de trabajo del departamento de carreteras!

Intrigadas desde hace tiempo por su técnica y las etapas de realización de sus obras nos pusimos en contacto con Ememem, quien nos respondió por escrito para mantener su anonimato. ¡Así nos explicó su trabajo y su proceso creativo, no sin añadir una buena dosis de humor a su mensaje!

Ememem elige sus lugares al azar durante sus paseos. Se deja llevar por los ruidos de la ciudad y permanece atento a los agujeros que le hablan y le inspiran, ¡porque como él dice tan bien, hay agujeros que «vibran y otros que no»!

Para la elección de los patrones y colores, la magia opera en las discusiones íntimas entre el artista y su sujeto. El resto seguirá siendo un misterio y no sabremos más…

La mayor parte del trabajo de Ememem esta producido de manera ilegal. La pregunta que surge entonces es: ¿cómo hace para crear obras in situ, tan meticulosas y a medida, en la vía pública sin ser interrumpido?

La respuesta es simple, no hay una receta milagrosa. Trabaja de noche para poder aislarse.
Nunca se ha sentido en una posición de ilegalidad. Al tapar los baches de una ciudad, ¿estamos realmente en una forma de vandalismo que presupone un ataque al espacio público? ¡Ememem no degrada ninguna propiedad pública, incluso repara la ciudad! Las pocas veces que Ememem se encontró con la policía, se fueron sin multarle. ¡A veces incluso le animaban!

En cuanto a su tiempo de creación, es bastante relativo ya que puede dedicar entre una hora y seis horas a hacer un lifting a un agujero. Todo depende de las condiciones meteorológicas, el tamaño del revestimiento, los materiales utilizados (todos de salvamento), las condiciones iniciales del bache, etc. La última etapa del proceso, el secado, es siempre la más larga.

En resumen, el artista trabaja libremente, en el anonimato y la soledad de la noche.

>>> el Instagram del artista aquí <<<

Para nosotros, sus obras son pequeñas pepitas que encontramos por casualidad en las calles de París. Iluminan nuestro día tanto como el famoso mal tiempo parisino. ¡Así que agradecemos a Em Emem por sus trabajos y sus respuestas llenas de entusiasmo!

Esperamos que los flackings que encontraréis en vuestras aceras os produzcan el mismo efecto, y que este artículo os haya permitido identificar o descubrir esta técnica

Para concluir, aquí hay otro artista muy conocido en la escena internacional que utiliza una técnica similar para «reparar» las paredes dañadas, ¡usando lego esta vez! Este es Jan Vormann y os dejamos descubrir su trabajo aquí.

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*Según algunas leyendas urbanas, el término ‘flacking’ apareció en una noche algo borracha y Ememem lo habría conservado para hablar de su práctica.

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Maye es un artista francés que trabaja en el espacio público. Empezó con el graffiti y luego evolucionó en el mundo más institucionalizado del arte urbano contemporáneo. Sus murales están poblados de personajes filiformes y demacrados y su universo es un complejo entramado de detalles que encarnan un frágil equilibrio.

Inspirado en su arte por las culturas urbanas y nómadas, el graffiti cubre sus ciudades, los tatuajes decoran sus personajes, la música y los juegos puntuan su universo. El resultado nos sumerge en las profundidades de un mundo imaginario atípico y lleno de poesía.

Los frescos de Maye se constituyen en historias que debemos tomarnos el tiempo de contemplar para apreciar todo su contenido. El mensaje que emerge en su trabajo se refiere a menudo a la ecología y a los excesos de la modernidad de nuestras sociedades humanas.

Uno de sus frescos se puede ver en París en el 131 del bulevar Vincent Auriol, creado como parte del proyecto Boulevard Paris 13. Es un recorrido de 50 murales repartidos por todo el distrito con la línea 6 del metro como eje principal. La obra realizada por Maye evoca la Camarga, región del Sur de Francia de donde es originario.

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Este artículo fue publicado originalmente para Artenders, un medio de arte contemporáneo francés e incubadora artística.

Descubrid nuestro artículo sobre el barrio Paris Rive Gauche, un importante punto de graffiti en el distrito 13, a pocos pasos del Boulevard Vincent Auriol.

-El Instagram y Facebook del artista-

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Foto de la portada: pintura sobre lienzo de Maye, presentada durante la exposición colectiva «Walking down the boulevard» (2019) en la galería Itinerrance de París.

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Este otoño tuvimos la oportunidad de ir a Londres para redescubrir el trabajo de Pichi y Avo en la inauguración de su exposición «Marbles and Bronzes» en la Galería Stolen Space en el corazón de Shoreditch.

Pichi y Avo es un dúo de artistas que mezclan el arte clásico y el grafiti, inspirados en los maestros de la escultura antigua y en los precursores del grafiti de los años 70 y 80 en los Estados Unidos. Estudiaron Bellas Artes y Diseño y se conocieron en la escena del grafiti valenciano. Pichi y Avo (o Juan Antonio y Álvaro) decidieron entonces dejar de lado “el ego del artista” como les gusta declararlo, para trabajar en total colaboración desde 2007 y centrarse sólo en el resultado de la obra.

La exposición en Londres se titula «Marbles and Bronzes». Está construida como un estudio de las esculturas del período clásico, específicamente las de mármol y bronce.

Se exhiben varios dibujos en blanco y negro, así como numerosos lienzos. Una obra en 3D se coloca magistralmente en el centro de la galería, como una miniatura de las esculturas que representan a través de todas sus obras.

Pichi y Avo rinde homenaje a estas excepcionales esculturas clásicas. ¡Traen de vuelta a la vida esas figuras y estatuas míticas que en su tiempo estaban cubiertas de color! Con el tiempo el color ha desaparecido y hoy en día asociamos la belleza de estas esculturas clásicas con su blancura. ¡Pichi y Avo les devuelve sus colores y las reinterpreta en un estilo de arte urbano contemporáneo!

En su muy prolífico trabajo, mezclan técnicas y medios: paredes, lienzos, estatuas… Sus pinceladas son casi translúcidas y el trabajo de detalle es extremadamente meticuloso, hasta el punto de terminar algunas de sus obras con pan de oro.

Una pequeña marca, la bombilla, que se encuentra en todas sus obras como una pequeña firma “tag”, es el símbolo de la idea y la creatividad. “It’s a familiar element that everyone recognizes and gradually with new technologies is disappearing despite attempts to maintain its place.” (PichiAvo interview for Graffiti Street).

Ahora son artistas muy conocidos, han participado en muchos festivales y eventos internacionales de arte callejero: el festival POW WOW con el segundo mayor fresco del mundo en colaboración con Vhils, la inauguración del Urban Nation en Berlín, y luego hicieron su debut en Londres con la exposición In God We Trust en 2017 en la Galería Unit.

En cuanto a nosotros, los descubrimos en su exposición en el Claustro del Centro Cultural del Carmen en Valencia en 2019. Las imágenes son locas y la asociación de grafiti en este lugar de patrimonio fue bastante mágica. Y ese mismo año hicieron la gran Falla de Valencia, ¡una escultura de 26 metros de altura!

¡De todos modos, somos fans! Entre historia y arte callejero, la asociación de estos temas nos parece fascinante y eso es lo que nos une a Invisible Walls

Stolen Space es una galería del artista londinense D*Face que lleva 11 años exponiendo artistas de arte contemporáneo urbano. Las exposiciones cambian regularmente y últimamente hemos visto obras de D*Face, por supuesto, pero también de Maye, Kai & Sunny y Bruck entre otros. Las inauguraciones son siempre muy agradables y es la oportunidad de ir y hablar con los artistas cara a cara o … en instagram live : descubra el video en directo entre Pichi y Avo y las personas presentes en la inauguración.

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→ Si os perdisteis nuestro último artículo, podéis coger un billete para Ibiza haciendo clic aquí

L’article <p class="has-medium-font-size">Retrato de Pichi y Avo en la ocasión de su exposición Marbles and Bronzes en la Stolen Space Gallery de Londres est apparu en premier sur Invisible Walls.

La Cala d’En Serra es una pequeña cala enclavada en el norte de la isla de Ibiza, sobre la que se encuentran las ruinas de un hotel inacabado. Es un lugar idílico de graffiti y urbex, y quería compartir con vosotros las imágenes de mi exploración.

Si nunca habéis estado en Ibiza, debéis saber que además de sus discotecas de verano, ofrece durante todo el año verdaderos tesoros naturales y arquitectónicos. Dos sitios arqueológicos están en la lista de la UNESCO, así como el casco antiguo de Eivissa. En cuanto street-art, el festival BLOOP trabaja desde hace 10 años para promoverlo y organiza la visita de grandes artistas urbanos para pintar increíbles frescos en toda la isla.

Pero, en mi opinión, su principal atractivo reside en la diversidad y belleza de sus paisajes mediterráneos. Además, las autoridades públicas han adoptado ciertas medidas de protección para preservar la biodiversidad, que está en manos de un urbanismo cada vez más denso. La Cala d’En Serra está situada en el corazón de un Área Natural de Especial Interés (ANEI), que ha prohibido construir allí desde 1991.

Las ruinas actuales son el legado de un proyecto de complejo hotelero emprendido en los años 70 por Josep Lluís Sert, un renombrado arquitecto del modernismo. La obras se suspendieron temporalmente debido a su oposición a la dictadura de Franco y luego se abandonaron después de su muerte en 1983. A medida que un nuevo proyecto de planificación urbana tomaba forma en la década de 2000, la crisis financiera barrió las perspectivas de reconstrucción. Muchos años después, el sitio de construcción sigue en el estado en que se dejó.

Para llegar a Cala d’En Serra, hay que bajar por un camino rocoso en cuyo fondo se pueden ver aguas turquesas y un panorama salvaje coronado por las ruinas de hormigón. Algunos encontrarán que este contraste estropea el espectáculo natural de la cala. Personalmente, encuentro que añade un poco de surrealismo y encanto.

El edificio es completamente accesible, a pesar de algunas pobres barreras y parece casi inconcebible considerando el nivel de deterioro y el peligro que el lugar deja temer. Alrededor de los dos inmuebles que constituyen el complejo, la naturaleza salvaje es omnipresente y, al final del terreno, se puede acceder a una gran plataforma de hormigón que da a toda la cala.

Subí y bajé los dos o tres pisos, evitando algunas escaleras tambaleantes y caer en agujeros! Las paredes y el suelo están agrietados y todas las superficies están marcadas. De hecho, hay tantos graffitis y mensajes que solo se puede deducir que es un espacio hiper frecuentado por grafiteros y aventureros de las ruinas!

Explorarlo también me permitió identificar algunos artistas callejeros de Ibiza, tal como Butron Delcastel, Rubiio.One, Inkrustart, FlowHer Power, y artistas internacionales : el español BubleGum o el famoso francés Noar Noarnito y el inglés Morf.

artistas : Morf y BubleGum
La obra de fondo ha sido concebida como una anamorfosis con el paisaje de la cala.

Me enteré de que se había organizado una residencia artística en 2018 por la asociación Ses Dotz Naus. El primer edificio fue tomado por el dúo de artistas luxemburgueses Martine Feipel y Jean Bechameil. Como parte de una acción colectiva, invitaron a habitantes y voluntarios a tomar posesión de este lugar abandonado pintando una de las fachadas, mezclando así el arte callejero y las artes visuales. Los rastros de su trabajo son todavía visibles bajo los tags, tan efímeros y frágiles como estas paredes. Su actuación subrayó así la dimensión artística e histórica del lugar y de este edificio del movimiento arquitectónico modernista.

La residencia fue filmada y finalmente se produjo una obra audiovisual, titulada Hotel Utopía. Actualmente se puede ver en la Galería Hab de Nantes, con motivo de una exposición de los artistas, Automatic Revolution. Accesible hasta el 1 de noviembre de 2020. Así, la producción proporciona un archivo duradero de este patrimonio.

La historia de España está ahí, esta ruina es una herencia viva de su tiempo y al mismo tiempo se convierte en un lugar por derecho propio con su propia historia del arte que cubre sus paredes.

Con este lugar, me surgen muchas preguntas y no sé qué será de él. Pero aquí esperamos traer nuestra pequeña piedra al edificio en su valorización.

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Bibliografía :

U. C. du patrimoine mondial, « Ibiza, biodiversité et culture », UNESCO Centre du patrimoine mondial. https://whc.unesco.org/fr/list/417/

D. de Ibiza, « Las ANEI de las Pitiusas quedan inedificables como en el resto de Balears » https://www.diariodeibiza.es/pitiuses-balears/2016/01/09/acuerdo-govern-declarar-inedificables-anei/815966.html

« Es Amunts ». http://makingofibizamagazine.com/es-amunts/

diariodeibiza.es, « Estructuras abandonadas e inacabadas en Ibiza » https://www.diariodeibiza.es/multimedia/fotos/local/2019-11-03-172490-estructuras-abandonadas-inacabadas-ibiza.html

D. de Ibiza, « Cala d’en Serra: el arte entre las ruinas » https://www.diariodeibiza.es/pitiuses-balears/2020/01/19/cala-den-serra-arte-ruinas/1116801.html

Asociación local y artística « ses12naus.org – ses12naus ». http://ses12naus.org/index.php/en/sesdotzenaus/

« Martine Feipel & Jean Bechameil, lauréats de la Bourse Francis-André 2019 », Culture.lu. https://culture.lu/fr/actualit%C3%A9s/martine-feipel-jean-bechameil-laureats-de-la-bourse-francis-andre-2019

« Martine Feipel et Jean Bechameil », Issuu. https://issuu.com/revue303/docs/feipel_et_bechameil

« A visit to Josep Lluís Sert’s abandoned Hotel built in 1969 in Cala d’en Serra, Ibiza – purple TRAVEL », Purple, mars 09, 2017. https://purple.fr/diary/a-visit-to-josep-lluis-serts-abandoned-hotel-built-in-1969-in-cala-den-serra-ibiza/

« Celluloid Diaries: Urbex – Abandoned hotel on Ibiza », CELLULOID DIARIES. http://www.celluloiddiaries.com/2013/10/urbex-abandoned-hotel-on-ibiza.html

« The fascinating story of the Ibiza lost resort – The White Isle – Ibiza Blog ». https://www.thewhiteisle.co.uk/fascinating-story-ibiza-lost-resort/

« Ibiza Hors des Sentiers Battus | Voyage Authentique », www.partir.com. https://www.partir.com/Baleares/ibiza/coins-secrets.html

Ivan, « The sad story of the half-constructed abandoned resort at Cala d’en Serra – Ibiza », RANDOM Times •, avr. 30, 2020. https://random-times.com/2020/04/30/the-sad-story-of-the-half-constructed-abandoned-resort-at-cala-den-serra-ibiza/

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Grandes noticias que han sido un bálsamo para nuestros corazones todo el verano: hemos sacado nuestras pegatinas de Invisible Walls para invadir nuestras ciudades – y las vuestras

Como habréis podido observar, ¡están inspirados en el bonito banner de nuestro blog! El motivo se basa en una foto de azulejos en Lisboa.

Los azulejos son tradicionales de España y Portugal y cubren las fachadas de las casas. Podéis ver bastante en el Cabanyal

Nos pareció lógico involucrarnos en el juego de arte callejero, desarrollando nuestro propio sticker. Hemos integrado un código QR para permitiros acceder directamente a nuestro web y multiplicar las puertas de entrada a nuestros muros invisibles.

Para el diseño colaboramos con Cali O, un joven artista inglés autodidacta y multidisciplinario. Desarolla su práctica artística entre el diseño gráfico, el arte callejero y la cerámica en una paleta de motivos azules y rojos contrastantes inspirados en los mandalas.

¡A vuestros muros y a vuestras cámaras!

No dudéis en escribirnos si queréis recibir vuestro pequeño lote de pegatinas por correo. Y no olvidéis publicar las fotos de vuestros collages y etiquetarnos en insta @invisiblewalls.eu y #invisiblewalls!

L’article <p class="has-medium-font-size">Sorpresa: ¡nuestras pegatinas están fuera! est apparu en premier sur Invisible Walls.

Rouen, la ciudad de los cien campanarios, donde pasé todos los veranos de mi infancia, se está convirtiendo en una escala ineludible para el arte callejero en Francia. ¡Con motivo de la segunda edición del festival “Rouen Impressionnée” (impresionada), redescubrí esta ciudad y me impresionó!

Más allá de su historia y de su vasto patrimonio, que no deberíais perderos para descubrir, os ofrezco aquí un panorama no exhaustivo de la escena artística urbana de Rouen a través de este festival, del artista de Rouen InkOj y del centro de arte, Hangar 107.

Como sucede en Rouen, cada vez más ciudades adoptan una política cultural favorable al arte callejero, percibido como una palanca para el desarrollo local. Se trata de un nuevo fenómeno turístico y están surgiendo numerosos festivales en toda Francia: en Bayona, Sète o Besançon, por nombrar sólo tres. En resumen, el arte urbano contribuye a embellecer la ciudad y a renovar su atractivo. En efecto, a menudo contribuye a la revalorización de barrios o territorios marginados en relación con un centro, como el distrito 13 de París, Vitry S/Seine o el Cabanyal de Valencia.

El festival de arte urbano «Rouen Impresionado», en la Orilla Izquierda

El urbanista Olivier Landes es el instigador de este evento a gran escala. Especialista en arte urbano, es el fundador de la asociación Art en Ville, dentro de la cual fue también el comisario del festival In Situ de Aubervilliers.

Para su segunda edición en 2020, “Rouen Impressionnée” tomará el relevo de la Orilla Izquierda del río con una veintena de artistas programados. Por lo tanto, tendrá que cruzar el Sena desde el centro de la ciudad. En el momento en que asistí al evento, 9 artistas ya habían realizado sus frescos durante la primera parte del festival, entre el 23 de junio y el 17 de julio.

Así que aprovecho esta oportunidad para promoveros la segunda parte del festival que comenzó el lunes 24 de agosto. Los artistas actuarán hasta el 25 de septiembre. Entre ellos, me gustaría mencionar a Manolo Mesa y Elian Chali, que han sido mis estrellas desde que tuve el honor de descubrir su trabajo en Valencia. Sin embargo, un festival es sobre todo una oportunidad para hacer descubrimientos, ¡a veces conmovedoras! Os presento en fotografías una selección de 4 frescos de los 9 que fueron pintados durante la primera parte del festival y que me sedujeron particularmente.

En resumen, Rouen Impressionnée tiene lugar del 23 de junio al 15 de noviembre de 2020. ¡Se han creado dos rutas en Saint-Sever y Grammont para que podais encontrar fácilmente tu camino en la ciudad sin perderos ningún detaille!

Consejito : el programa está en dos partes, y dependiendo de cuando se siga una de las rutas, puede que aún no estén pintados todos los frescos (¡me quedé atrapada en la trampa!).

Parte 1 / parte 2 / mapas de los recorridos

Aquí se pueden reservar tours gratuitos con varias fechas para septiembre y octubre. ¡Todo está disponible en el sitio, pero os estoy facilitando el trabajo!

La primera edición se celebró en 2016 en tres zonas: el centro de la ciudad, los muelles y el distrito de Sapins en la parte alta de Rouen. Esta estrategia geográfica refleja sin duda alguna el deseo de los organizadores de producir un evento que irradie a la ciudad con su centro muy dinámico, pero también valorizando los barrios más alejados geográficamente.

Así que fui a ver algunas de las obras heredadas de esta edición anterior. ¡Aquí hay algunas fotos de ellas!

Algunos de ellas ya no existen, en particular el Calamar Gigante de Brusk, cuyo edificio de soporte fue demolido en 2017. Y finalmente no tuve tiempo de ir al distrito de Sapins, pero espero encontrar una oportunidad pronto.

Los frescos del artista InkOj en el distrito de Saint-Marc

Para comprender plenamente la relación entre la ciudad y el arte callejero, salí del marco del festival para dar testimonio de otros modos de creación. Cerca de las calles comerciales, la Plaza Saint-Marc encarna una parte más tranquila del centro de la ciudad. Inmediatamente me di cuenta de que había una obra del artista InkOj, cuyo trabajo me pareció particularmente emblemática por las razones que voy a exponeros.

Desde diciembre de 2019, cubre con plantillas y bombas las salidas de los edificios del distrito de Saint-Marc. Sus motivos se parecen a los de los azulejos portugueses y españoles. Más allá de este estilo que nos gusta particularmente, es su enfoque territorial lo que nos atrae profundamente. En efecto, la profusión de obras en el perímetro del barrio realza las calles, aceras y entradas de los edificios, renovando toda su estética urbana. Además, la ubicación de sus frescos ya no invita al habitante de la ciudad a levantar la vista a lo que le rodea, sino a mirar bajo sus pies. De hecho, cuando mirais las calles para descubrir el arte callejero que se esconde allí, a menudo encontráis pequeñas maravillas bajando los ojos

Este proyecto responde a una iniciativa personal, espontánea y vandálica del artista, que se financia a sí mismo y en la que ejerce una total libertad. El ayuntamiento de Rouen, al parecer, adopta una postura de tolerancia, como es cada vez más común en muchas ciudades francesas hoy en día.

Porque el arte urbano es realmente un vector de identidad cultural y de vínculo social. Puede ser el embajador de un barrio. Lo he visto en varias ocasiones a través de encuentros inesperados (cf: mi excursión en el Cabanyal). Mientras fotografiaba obras de arte, me preguntó el gerente del Café de l’Époque, 43 rue Armand Carrel. Es hermoso ver que el orgullo y el entusiasmo se mezclan en estas conversaciones en las que el arte urbano se convierte en un pretexto natural para discutir el vecindario y su aura. Fue él mismo quien me señaló que los motivos de las obras de InkOj eran una continuación de los azulejos dentro de los edificios cuyas entradas están cerradas la mayor parte del tiempo. Sin embargo, esto se nota frente a las terrazas de los cafés donde podemos entrar públicamente durante el día.

Os invito, pues, a cruzar la calle Eau de Robec donde se sucumbe al encanto de la ciudad y sus casas de entramado de madera, y que acaba de ser asaltada por el artista InkOj, tras un encargo agrupado de los restauradores. 

Las obras de InkOj devuelven así a la vista de todo un patrimonio arquitectónico oculto: los tradicionales azulejos de cemento o cerámica de los interiores de Rouen. Desde el espacio privado, ahora se derraman en la calle, ¡en el espacio público de la ciudad gracias a su práctica del arte contemporáneo y urbano!

El Hangar 107 en los muelles

El Hangar 107 es una visita obligada para los amantes del arte urbano. Creo que la programación es siempre excelente. Me encantó el show grupal de este verano. Reunió a todos los artistas que habían sido expuestos en el hangar desde que abrió en 2018. Entre ellos, mencionaría algunos favoritos: Tania Mouraud, Tilt y Thomas Canto.

La próxima exposición mostrará la obra de Olivier Kosta-Théfaine y estará abierta del 24 de septiembre al 31 de diciembre de 2020.

El Hangar 107 está situado en los muelles, un entorno mucho más moderno e industrial, que contrasta con la arquitectura del centro de la ciudad. El escenario del centro de arte es luminoso gracias a los ventanales que dan una hermosa vista de la orilla derecha. En el exterior, la belleza del edificio se puede ver tan pronto como se ven los rayos del sol rebotando en la fachada de vidrio. También os invito a cruzar el Puente de Flaubert para deteneros bajo sus enormes pilares de hormigón y admirar el Sena.

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Para concluir, aquí está un sorprendente trabajo que da un efecto tridimensional del artista Jaw realizado el pasado mes de junio. Fue encargado por la Metrópoli de Rouen-Normandía para embellecer la rue des Vergetiers. A un tiro de piedra del Gros Horloge, se encuentra en el corazón de una zona muy animada. El objetivo era mejorar esta calle peatonal pero muy poco frecuentada. Este proyecto traduce perfectamente el atractivo del arte urbano en las estrategias de planificación territorial.

Recursos :

Sitio web oficial del festival Rouen Impressionnée

Sitio web oficial de la ciudad de Rouen

La cuenta instagram de Olivier Landes, organizador del festival

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Bibliografía adicional :

« Une fresque murale pour embellir une rue piétonne, à deux pas du Gros-Horloge, à Rouen », Actu.

« Le 107, nouvelle place forte de la rive gauche à Rouen », Paris Normandie.

« Le poulpe part en morceaux sur les quais de Rouen », Paris Normandie.

« A Rouen, le street art a envahi la ville », Télérama.

« Rouen se laisse surprendre par le street art », Le Monde.

« Carrelage et révolution industrielle », dossier BNF.

« Du clos à la place Saint Marc, histoire d’un mythe urbain à Rouen », Paris-Normandie.

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Fotógrafo y artista de referencia, Thomas Jorion captura la belleza de las ruinas y el patrimonio olvidado. En la terraza de un café a orillas del canal de Ourcq, sus recuerdos de juventud fueron barridos y su experiencia ilegal, inherente a su enfoque urbex, fue discutida.

Desde sus primeras exploraciones urbanas hasta la afirmación de su carrera artística, queríamos conocer los detalles de dos de sus proyectos que nos marcaron particularmente: La Línea del Olvido y la Piscina Molitor.

Enfoque de la serie The Forgotten Line, La Petite Ceinture es una antigua línea de ferrocarril que rodea París. Tiene 32 kilómetros de largo y en el siglo XX sirvió a unas treinta estaciones. Ahora en desuso, las estaciones han sido rehabilitadas como sitios culturales y la línea se ha convertido en un paseo.

También en París, en el distrito 16, la Piscina Molitor, que era a la vez una piscina y un sublime edificio Art Decó. Cerrado en 1989, fue clasificado como monumento histórico en 1990 pero abandonado, se convirtió en la Meca del graffiti vandálico parisino hasta la década de 2000. El lugar fue finalmente restaurado en 2014 como un hotel de lujo.

Para esta entrevista, nos hemos asociado con la joven plataforma Artenders. Los medios de arte contemporáneo invirtieron en la promoción de los artistas franceses y en la consolidación de una red de profesionales y entusiastas.

Si queréis descubrir su video retrato de Thomas Jorion, ¡está aquí!

Por mi parte, descubrí la obra de Thomas Jorion durante mi pasantía en el Centre des monuments nationaux el año pasado, cuando coordinaba una exposición en el Château François I de Villers-Cotterêts. Antes de la restauración, Thomas Jorion había llegado a inmortalizar el interior de este patrimonio renacentista para dar testimonio de su tumultuosa historia y la herencia que representa.

Estoy encantada de haber podido reunirme con él de nuevo en Invisible Walls para esta fascinante entrevista. Disfruta de la lectura

1. ¿Por qué fotografías las ruinas?

Sólo sucedió por casualidad. Crecí en el Val-de-Marne, en Champigny-sur-Marne, y en esa época tenía cierta pasión por películas como Indiana Jones o Los Goonies. Había hecho amigos en ese universo y nos gustaba ir después de la escuela o en la hora del almuerzo a un garaje abandonado junto a la universidad. Nos asustábamos un poco, fumábamos cigarillo. Y eventualmente, es algo que duró. Hicimos algunas investigaciones en la zona, incluso yendo al ayuntamiento, al departamento de cartografía para ver si había otros edificios o zonas abandonadas en la zona. Y luego crecimos. Después de graduarme en la escuela secundaria, fui a la escuela de leyes sin mucha pasión y compré una cámara. Espontáneamente quise fotografiar las ruinas. Creo que había un deseo de salvarlos, porque tenía la sensación de que estaba fotografiando edificios que estaban a punto de derrumbarse o dañarse.

No hablamos de Urbex en ese momento. Hoy en día, es un término práctico.

2. ¿Cuáles fueron tus primeras exploraciones?

Estábamos muy aburridos, no teníamos videojuegos, Internet. Así que a menudo íbamos al garaje abandonado junto a la universidad, a orillas del Marne. La arquitectura en sí no era muy interesante, pero era agradable ir allí. Recuerdo que se podía subir al techo pasando por un agujero con una cuerda. ¡Eso fue divertido! Y más cerca de mi casa, había una casa de principios del siglo XIX. Había un pequeño cenador y una carpa en la entrada, y una escalera de madera que subía a los pisos superiores. Eso fue más fuerte porque era un interior residencial.

Esos fueron los dos primeros lugares que exploré cuando era muy joven. Más tarde, me mudé a Seine-et-Marne y exploré los castillos. El de Lesigny, por ejemplo, y el castillo de Malnoue, en el lado de Pontault-Combault.

3. ¿Cómo eliges los lugares que fotografías?

Al principio fotografiaba ruinas porque si. Desde un almacén, por ejemplo, el almacén de aduanas en Pantin, desde la Petite Ceinture hasta lugares en Bélgica, fábricas, casas o chalets en Italia. Era algo que no se hacía realmente en la fotografía.

En un momento dado, me di cuenta de que tenía que organizarlo por series o temas. Tenía que ser vinculado con la historia. Creo que el ejemplo más importante fue esta serie sobre los vestigios del imperio colonial francés que fotografié de 2013 a 2016: Vestigios del Imperio. Fue interesante volver a esos rastros del pasado. Cuando el colonizador construye un matadero en Casablanca, hace algo que permanecerá en el tiempo por un estilo arquitectónico, por el hecho de que de repente es Europa la que construye en el Magreb.

4. ¿Cuál es tu relación con el arte callejero?

Estuve en la universidad en los años 1988-89. Fue el comienzo del rap, de la cultura hip-hop en Francia, y yo tenía amigos que empezaban a hacer firmas  en la calle. ¡Fue genial!

¿Lo has probado?

No mucho, pero es algo que me gusta, algo que me toca, ¡que me habla!

Y por supuesto, las ruinas son lugares convenientes para la expresión. Creo que al principio me molestó porque me gustaba el lado inmaculado de las ruinas. Pero depende del contexto. Tomo el ejemplo del Pequeño Cinturón, creo que es un elemento [graffiti] que aporta mucho. Me gusta mucho encontrar eso en ciertos lugares.

Recuerdo, por ejemplo, la fábrica de aire comprimido de Sudac en el distrito 13, cerca de la Porte d’Ivry, a orillas del Sena. Hoy es una escuela de arquitectura [École Nationale Supérieur d’Architecture Paris Val-de Marne – ENSAPVS] pero en su momento, cuando era una ruina, era una catedral de grafitis. ¡Era realmente brutal en este lugar industrial! ¡Me gustó eso!

¿Hubo algún artista u obra de arte callejero que te impresionara?

Pienso en el artista André en el momento en que de repente los grafiteros comenzaron a desarrollar otro estilo y se destacaron, aunque creo que todavía es actual. Siempre intentamos destacarnos por un nombre, una letra o una posición.

5. ¿Cuánto de ilegal tiene tu obra? ¿Y cuántos de tus proyectos son encargados?

El 90 o 95% de lo que hago no está autorizado porque es muy complicado conseguir el permiso. Tienes que identificar a un propietario, explicarle su enfoque, y luego hay cuestiones de seguros también… Ahora que empiezo a ser conocido, me han ofrecido comisiones, a menudo carta blanca, que es un inventario de las instalaciones antes de la transformación. Por ejemplo, el castillo de Villers-Cotterêts, en tan mal estado que bien podría haber sido fotografiado como urbex.

¿Te atrae el lado prohibido?

¡Es obvio, no tiene nada que ver con eso! La adrenalina hace que tengas una agudeza realmente diez veces mayor y que vayas a lo esencial. A veces incluso me cuesta conseguir el mismo ritmo de imagen cuando se encarga. Para mí, es obvio hacerlo en modo vándalo. Tengo acceso a lugares a los que nunca tendría acceso de otra manera.

Artenders : Lo que me conmueve en tus producciones es que nunca ves al hombre pero siempre lo sientes. Tal vez, con este permiso, hay un lugar para el hombre que es diferente porque el lugar ya no está abandonado al final. De la misma manera, el arte callejero perturba este abandono en sus pinturas… ¡Sus fotos, perdón! ¡Es gracioso que diga pintura porque algunos de ellos realmente se parecen!

¡Muy a menudo la gente tiene la impresión de ver pinturas! Creo que es el hecho de usar el negativo en color, las grandes tomas de película que uso en el dormitorio y la impresión en papel artístico con un poco de algodón lo que realmente da esta impresión.

El graffiti de repente se llevará el lado inmaculado. Va a ser más difícil viajar por el lugar, en la imagen, porque hay una forma de apropiación. De repente, nos devuelve a la actualidad.

6. Me gustaría discutir uno de tus primeros proyectos: la Petite Ceinture. ¿Por qué querías explorarlo?

Lo descubrí muy pronto con este mismo grupo de amigos cuando buscábamos el acceso a las catacumbas. El primo de un amigo nos dijo que había un acceso en el sur de París, desde una línea de ferrocarril en desuso. No teníamos GPS, ni Internet y sigue siendo una línea de más de 30 km de largo. Está en sitios un poco escondidos, en túneles o en partes altas, así que no lo encontramos directamente. Finalmente encontramos un acceso más al norte, hacia la Puerta de Clichy. Encontré las fotos que había tomado con la cámara analógica en ese momento, los túneles que entonces todavía estaban iluminados. Era el fin del tráfico ferroviario [1996] pero aún parecía hiperactivo, así que esperábamos toparnos con un tren en cualquier momento, o encontrarnos con gente… estábamos realmente en la cima de nuestra adrenalina.

Luego, por casualidad, volví varias veces. Me mudé al distrito 19 a principios de 2000 y empecé a explorar toda esa zona. Me estaba metiendo más y más en la fotografía en ese momento y probando cámaras en esas áreas en desuso. Tenía la sensación de que era un universo que iba a cambiar, evolucionar o desaparecer. Me encanta tal como está hoy: abandonado, salvaje y etiquetado. Es uno de los pocos lugares donde ya no se puede oír el ruido de la ciudad. Es un verdadero cambio temporal.

7. ¿Puedes contarnos tu experiencia en la Piscina Molitor ?

Lo descubrí mientras visitaba los invernaderos de Auteuil, otro lugar en desuso menos conocido. A lo lejos había visto un edificio completamente pintado y firmado. Era la piscina de Molitor pero estaba completamente cerrada. Y luego, encontré un amigo para ir juntos, sobre el año 2010. Para llegar allí, tuvimos que organizarnos. Llegamos a las 5 de la mañana con una escalera en el coche. Subimos por el techo, entramos y esperamos a que amaneciera para tomar fotos. Y entonces nos dimos cuenta de que había alguien allí. Pensamos que era un cuidador, pero en realidad era un artista que vivía allí. Ayudó a regular un poco el aceso y las actividades en el lugar. Era una época en la que estaba un poco más organizado. Antes de eso, creo que estaba abierto de par en par y muchos artistas callejeros fueron allí.

Así que fui allí por primera vez en modo ilegal por la noche, y dos años más tarde pude volver allí oficialmente para hacer un inventario del lugar antes de que fuera transformado. Ahora tenía las llaves del lugar para mí solo. El artista que estaba cuidando el lugar se había ido.

Hoy en día, se ha convertido en un hotel de lujo. Tuvieron que demoler el 90% del edificio para reconstruirlo de forma idéntica, lo que les permite seguir contando la historia.

8. ¿Hay otros lugares abandonados en París o en la metrópoli del Gran París que no hayas explorado o a los que te gustaría volver?

No lo sé todo y siempre hay pequeños lugares que se abren, edificios, fábricas… Por ejemplo, en este momento hay una fábrica en el sur de París que está siendo desmantelada. Y luego, todavía voy a la Petite Ceinture de vez en cuando. Fui allí no hace ni un mes. Lo que me gusta de la Petite Ceinture es que en todo momento de mi carrera siempre me ha traído cosas nuevas. Cuando quise fotografiar la arquitectura, había cosas que se encontraban allí.  Si buscara seres humanos, hay gente que vive allí. Eso es lo que me gusta mucho de esta Petite Ceinture, que irá desapareciendo poco a poco. Es un lugar de libertad donde puedes ir y hacer lo que quieras. Por cierto, me preguntaste si había ido a hacer grafitis : ¡había intentado hacer esténcil, lo había olvidado!  En un momento me apetecía hacer plantillas, me paseé por la Petite Ceinture de noche e hice plantillas.

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Como de costumbre, os ofrecemos algunos recursos adicionales para profundizar en el tema:

– El sitio web de Thomas Jorion para descubrir la totalidad de su trabajo

– The Forgotten Line, un artículo en inglés sobre la Petite Ceinture de un periódico sobre arquitectura y urbanismo.

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Entrevista realizada por Invisible Walls, con la colaboración de Artenders.

L’article <p class="has-medium-font-size">Thomas Jorion – La Petite Ceinture y la Piscina Molitor, ruinas sublimadas por el fotógrafo est apparu en premier sur Invisible Walls.

Artista callejero de Valencia, se aparenta a los que llamamos los invasores, sin restringirse a esta práctica. En este artículo, he querido ir más allá del relato más clásico de un viaje y enfoque artístico, para abordar una experiencia inherente al arte callejero: la del vandalismo.

Este no es un retrato de artista

El Señor Jank ha conquistado el centro de la ciudad y los distritos de Saidia cubriendo los espacios públicos con pegatinas y collages que representan los contornos gráficos de una cabeza de felino, en la efigie de uno de sus gatos blancos y negros. Es este símbolo el que lo hace particularmente reconocible. Si estais en Valencia, lo más probable es que si no lo conocéis, no podréis apartar la vista sin encontraros con una de sus obras. De lo contrario, tal vez la casualidad os lleve a encontrar uno de ellos en París, Bruselas, Burdeos, Praga, Bolonia, Nantes, Bonn o Lisboa…

Jank ha estado creando en la calle desde 2018. Se le ocurrió la idea espontáneamente, guiada por su curiosidad y su amor por las pegatinas.

Es que no había nada premeditado, iba haciendo las cosas conforme me iban apeteciendo y me iban llamando la atención. Pegar cosas en la calle es una forma mas visible de compartir lo que haces. Es el juego, ¿no? Como los que hacen firmas por ahí. Lo único es que como no es algo concreto como una firma quizá llama más la atención porque no sabes de qué será ese «gato»

Jank

Una de sus principales características: hace las cabezas de sus gatos a mano. Podía imprimir cantidades más grandes y mostrar aún más. ¡Pero prefiere dibujarlas él mismo!

Lo que realmente aprecio de él es que siempre está innovando en sus técnicas.  Adepto al paste-up y a la fotografía, se renueva mezclando estilos y figuras. Además, a veces utiliza el diseño gráfico y el dibujo, y luego integra imágenes de personajes de la vida real que retoca para hacer montajes. En el barrio del Carmen, se puede observar: un cosmonauta flotando con un gato escondido detrás de la visera, un bebé cuyo rostro ha sido reemplazado por la cabeza de un mono, un turista fotografiando su emblema de artista o sus dos gatos pequeños uno al lado del otro.

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Es nuestra pasión común por el arte callejero, Valencia y los gatos lo que nos ha permitido conocer y charlar. Nunca antes había participado en el juego de arte callejero, yendo a poner obras de arte en la calle ilegalmente. Como amante apasionado de esta práctica artística, me di cuenta de que echaba de menos la experiencia. El vandalismo es la esencia del arte callejero. Todos los artistas callejeros tienen, o han tenido, una práctica vandálica antes de entrar en galerías e instituciones. Invertir en la calle es una especie de autoeducación.

Jank: el saber hacer de un vándalo

El verano, Jank me ofreció amablemente a elegir un foto de mi gato para imprimirla y exhibirla en el Cabanyal, en un barrio donde aún no había puesto nada. Doblemente entusiasta (es mi lugar favorito de la ciudad), quedamos un lunes por la noche, en el mes febrero pasado, para asegurarnos de que nos encontramos con el menor número de personas posible. Aquí estábamos, armados con una pila de papelería, listos para pegar por todo el vecindario!

En una gran bolsa de Mercadona había colocado: un cubo, una escoba pequeña, una botella de agua, una bolsa de polvo de pegamento y sus obras. Esta organización tiene dos objetivos: pegar con rapidez y discreción. Sólo le falta verter el agua y el pegamento en el cubo y mezclarlo todo con su escoba.

Antes de ponerse manos a la obra, Jank necesita pensar en un lugar para llamar la atención de la gente. Algunos de los encolados son parte del proceso de «invasión» y deberían ser reconocibles al instante. También hay que considerar la duración de la obra. Para protegerlos un poco de las inclemencias del tiempo, él favorecerá los rincones ligeramente cubiertos, bajo una cornisa por ejemplo. Si tiene tiempo y un palo suficientemente largo, intentará colocarlos en lo alto, fuera del alcance de aquellos que quieran arrancarlo o marcarlo.

La obra se encuentra detrás de un supermercado. Aparentemente, con el confinamiento, la fila de espera afuera produce un efecto extraño: parece que el policía golpea a la gente (que está escondiendo la puerta)
Fuente : instagram.com/curiosity_2

Por otro lado, algunas obras han sido diseñadas para interactuar con el enterno. Este es un proceso recurrente en el arte urbano y es una forma más lúdica de atraer la atención de los transeúntes. En la Saïdia, colocó un policía con un ariete listo para cargar contra una puerta doble de metal. ¡La representación es más verdadera que la vida!

Y es con el mismo proceso con el que integramos la fotografía de mi gato. Jank ve un marco de puerta a lo lejos, en medio de un muro de hormigón, en un callejón desierto cerca de la playa. Sumerge su escoba en pegamento, saca la impresión de mi gato que coloca en la escoba, apunta al punto, pega la foto antes de volver a repasarla y alisarla. ¡Unos retoques y listo! El gesto es furtivo, casi parece una coreografía: duró apenas 10 segundos. Resultado, parece que mi gato está tirado en la esquina de esta puerta, contemplándonos pícaramente o mirando a los transeúntes en la calle. A partir de ahora, dondequiera que esté, en Valencia en París, siempre estará ahí, en casa

>>> nuestro artículo sobre el arte callejero en el barrio Cabanyal-Canyamelar.

Conquistar el Cabanyal

Luego, caminamos por las calles en busca de otros lugares en llevando el cubo lleno de pegamento con el resto del material, bien camuflado por la bolsa de la compra en caso de que nos encontremos con la policía.

Para la exhibición de las cabezas de los gatos, le tomó apenas 3 segundos, ¡puedo testificar! Está acostumbrado a ello y este tipo de paste-up es más simple que otras obras con un formato más grande y contornos menos lineales, pero aún así es bastante impresionante. Para una obra más grande cuya ubicación y disposición son cruciales para darle significado, probablemente se habría limitado a un área con la que está más familiarizado. Y sólo habría pegado uno. En esto, Jank es un alma prudente e igualmente espontánea. Es el tipo de persona que se inspira repentinamente en un lugar, al que luego regresa casi inmediatamente para colocar la obra que cree que le corresponde.

La ventaja es que pudo pegar una docena de ellos en el vecindario esa noche, y en poco tiempo. Esperemos que esto fue también una oportunidad para explorar para que se aventurara otra vez…

Los pocos testigos en la calle no tuvieron ninguna reacción. En su experiencia, la gente raramente reacciona o sólo por curiosidad e interés benévolo. Por suerte, tampoco nos encontramos con la policía.

Espero que este relato personal le haya permitido familiarizarse, más allá de su imaginación, con el trabajo de un artista y la práctica del vandalismo. Si le ha gustado el tema, planeamos explorar ciertos aspectos de él más pronto .

Gracias a Jank por dejarme acompañarlo esa noche, por aceptar responder a mis miles de millones de preguntas y por estos momentos de compartir con una cerveza!

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• fotografía @genk_st

L’article <p class="has-medium-font-size">Conozca a JANK: detrás de las escenas de arte callejero y vandalismo est apparu en premier sur Invisible Walls.

¡Por fin un segundo artículo! Dejamos pasar las fiestas y aquí estamos de nuevo, aún más motivados que antes.
Hablando de fiestas, «París es una fiesta», ¿significa eso algo para vosotros? Es un libro de Hemingway sobre su París de los años 20, una ciudad y la vida de un artista. Me gustaría hablaros de mi París de hoy y del arte urbano que encontramos allí.

La mayor parte de mi vida parisina y mi conocimiento de esta ciudad se encuentra en el distrito 13 y más particularmente en el distrito de Paris Rive Gauche. De hecho, dediqué mi trabajo de fin de máster a esta área estudiando el vínculo entre el arte callejero y el patrimonio.

El 13 es muy conocido por su arte callejero. Los grandes frescos, proyectos monumentales e internacionales, son muy publicitados pero el resto de lo que ocurre aquí es menos conocido. ¿Cómo el arte callejero se convirtió en una parte tan importante de la identidad de la decimotercera? Es el conjunto de los proyectos, legales, monumentales pero también vandálicos, lo que da sentido y todo su encanto a este barrio. Este es el distrito 13 que me gusta explorar y mostrar.

París Rive Gauche

En este primer artículo sobre este vasto distrito, voy a hablaros de una zona en particular: París Rive Gauche. Bordeado por el Sena, la estación de tren de Austerlitz, la larga rue du Chevaleret y la carretera de circunvalación, este barrio industrial fue abandonado en los años 70. El mercado de Les Halles se trasladó a Rungis: los Grands Moulins de París yedificios refrigerados los propiedad de la compañía de trenes, entre otros cayeron en desuso hasta los años 90. Las fincas se convirtieron en ruinas y no habían casas alrededor: el contexto era propicio para los graffitis, invadiendo este terreno baldío. París Rive Gauche obtuvó en 1991 el estatus oficial de Zona de Ordenación Concertada (ZAC), significando que es un área en desarrollo.

Para ubicarse

Aquí se construyó la nueva Biblioteca Nacional François Mitterrand, inaugurada en 1995, así como el nuevo campus principal de la Universidad Paris 7 Paris Diderot, que se trasladó en 2007. Cada vez que vuelvo a este barrio después de unos meses de ausencia, un nuevo edificio forma parte del paisaje. La empresa que desarrolla Paris Rive Gauche es la Société d’Etude, de Maîtrise d’Ouvrage et d’Aménagement de la Ville de Paris (SEMAPA), presidida por Jérôme Coumet, el alcalde del distrito 13. Está muy a favor del arte callejero, ama este arte y lo utiliza en sus políticas culturales con su diputada de cultura Catherine Weigel D’Angelo.

Una gran parte de los proyectos de arte callejero del distrito nacieron en esta área. En 2010, un galerista se mudó a la calle Goscinny (la galería se ha trasladado desde entonces al bulevar del General d’Armée Jean Simon). Era profesor de artes plásticas antes de embarcarse en la aventura del mercado del arte. Abrió su primera galería y eligió una zona bastante barata: el moderno distrito 13, lejos del barrio del Marais donde se agrupan todas las galerías de arte contemporáneo. Medhi Ben Cheikh, con su galería Itinerrance, se dedica plenamente al arte callejero. Acoge a artistas conocidos, pero también a artistas emergentes. Y para dar a todos una gran visibilidad y crear un proyecto a gran escala, colabora con el ayuntamiento del 13 y su alcalde Jérôme Coumet para crear grandes frescos en los edificios sociales del municipio. Es uno de los precursores de este movimiento de arte urbano en París. Abrió el camino con proyectos monumentales como la Torre 13. Esta exposición tuvo lugar en un edificio abandonado, ocupado por artistas callejeros antes de su destrucción. Fue un evento muy grande y de alto perfil. Inauguró de alguna manera la ruta de los frescos monumentales del Boulevard Paris 13 en el bulevar Vincent Auriol, a lo largo de la línea 6 del metro, antes llamada Street Art 13.

Masséna

Volviendo a nuestro sector de París Rive Gauche, os voy a contar un poco más sobre el microdistrito de Masséna, encajado entre la calle del Chevaleret, la calle de Tolbiac, el Sena y el campus de la Universidad París Diderot.

Cuando se rehabilitó el barrio en los años 90, todos los graffiti desaparecieron (a salvo de Les Frigos, el antiguo edificio refrigerado de la SNCF, hoy convertido en estudios de artistas) para crear un barrio moderno e inmaculado con un estilo arquitectónico muy contemporáneo que destaca del resto de París. ¡Masséna es a menudo el escenario de películas cuando se busca un escenario neoyorquino en París!

Sin embargo, el arte callejero ha vuelto gradualmente al barrio desde 2010. La llegada de las galerías Itinerrance, Le Lavomatik, Mathgoth y, más recientemente la Galería GCA y Art&Craft, con la tolerancia del ayuntamiento hacia el arte callejero vandalizado jugaron un gran papel en esto. Los artistas se han apropiado así de los nuevos muros, aunque con medios mucho más institucionales que hace 50 años, pero todavía proliferan allí pequeñas obras de arte callejero vandálico.

El camino de París – Ivry

Como el barrio está todavía en construcción, algunos solares han seguido siendo puntos altos del graffiti parisino.

También estamos cerca de la estación François Mitterrand y de la estación Austerlitz donde se cruzan el metro, el RER y los trenes, y de los parques de juegos para los grafiteros.

Bajo el bulevar del Général d’Armée Jean Simon y del tranvía, se encuentra la futura vía París – Ivry, que es uno de los espacios clave del proyecto urbano del Gran París que pretende conectar París y su periferia. La zona esta en obras y por esa está completamente invertida por los grafiteros que trabajan allí día y noche.

La obra más importante y antigua de esta zona es la obra anamórfica del dúo de artistas Zag y Sia El 23º Arcano o El Rey y su Obispo, en representación de Jérôme Coumet (el alcalde) y Medhi Ben Cheick (galerista de Itinerrance), ambos titulares de este loco proyecto de «museo al aire libre» en el distrito 13, Boulevard París 13.

Además, esta zona está ubicada justo detrás del Lavomatik – las escaleras llevan directamente detrás de la galería – que reúne a muchos artistas de la calle y gestiona más o menos oficialmente los muros que la rodean.
No dudéis en ir a pedirles información sobre los artistas de las obras que os intrigan, Benoît y sus colegas son verdaderos recursos!

Los frescos

En este barrio se encuentran cientos de artistas franceses e internacionales, que gravitan alrededor de las cinco galerías de arte urbano. Más allá de la tolerancia hacia el arte callejero vandalizado, los nuevos edificios públicos tienen muchos frescos en sus fachadas, autorizados por el ayuntamiento o también los propietarios de los edificios, apoyados por galerías o asociaciones de arte urbano. Por ejemplo, las escuelas han sido el soporte privilegiado de algunos artistas que han sido capaces de entregar su visión de la infancia:

El festival Groove Your World organizado por la asociación Vis Ton Rêve (VTR) en 2016 se apoderó de las paredes del pesebre Françoise Dolto con tres artistas franceses: Doudou Style, Stoul y Jo Di Bona.

Stoul trata de representar una doble realidad, la de las niñas que sueñan con ser princesas algún día y la de las mujeres adultas que se han liberado y caminan donde no se les espera. Se inspira en el arte japonés del origami o en la arquitectura contemporánea del distrito. Doudou Style trató de representar a un niño pequeño en toda su fragilidad. Las dos mujeres han creado una continuidad entre sus dos murales, como un diálogo sobre la infancia. Jo Di Bona, con su estilo de graffiti pop, también hace un vibrante retrato de un niño.

En la calle Goscinny, en el muro de la escuela primaria Primo-Lévi, el dúo de artistas alemanes Herakut representados por la Galería Mathgoth, produjó un fresco titulado «La magie existe» en los colores de Francia. Es un homenaje a los atentados de París de 2015 para devolver un poco de magia y de esperanza, sobre todo a los niños y niñas, y más globalmente a todos con este mensaje visible en el espacio público.

El mural con el esqueleto del artista belga ROA en el ascensor público frente a la explanada Pierre Vidal-Naquet y la Universidad París 7 Diderot es parte del proyecto del Boulevard París 13. Se terminó en 2016 y desde entonces los estudiantes, el personal de la universidad y los habitantes del barrio tienen un vista de esta obra de arte a diario. Sin embargo, durante mis visitas, muchos de ellos no sabían qué animal refleja este esqueleto… ¿una pequeña idea antes de rendirse (o dar su lengua al gato, como dice la expresión francesa)? La respuesta estará al final del artículo!

La histórica calle Watt, conocida desde los años 80 por sus grafitis y carteles de artistas que ocupan los Frigos, sigue albergando, a pesar de su remodelación, varios grandes frescos y tiene muchas otras pequeñas obras vandálicas.

El artista Bordalo II vino a París en febrero de 2019, para presentar una gran exposición organizada por Mathgoth. Para la ocasión, realizó dos obras in situ en el barrio, entre ellos este lémur de la calle Watt. Es un artista políticamente comprometido con el medio ambiente y la causa animal. Crea «Trash Animals» en escultura con objetos plásticos y de desecho, encontrados en vertederos ilegales cerca de los lugares de creación.

Siempre en la misma calle, el colectivo multidisciplinario de mujeres Mission [pas] Impossible realizó un gran fresco en 2017, pidiendo donaciones en la plataforma del Kiss Kiss Bank Bank para obtener el material necesario. Un nuevo fresco de Etnik acaba de cubrirlo, con el apoyo de la Galería GCA en diciembre de 2019.

Los invasores

En algunos rinconces del barrio, muy a menudo encontramos varios de los mismos artistas con sus pequeñas obras pegadas a las paredes.

Está el famoso John Hamon y sus carteles de autorretratos, que alcanzan el grado cero de arte como le gusta proclamarlo. O A2 el artista, él pega en cada esquina de la calle sus placas de madera, símbolos anarquistas declinados en corazones, o retratos de anarquistas de renombre como Louise Michel en todo París. Hay un grupo entero de ellos en nuestro vecindario.

O Invader la mayor referencia de los artistas «invasores» como me gusta llamarlos. Ahí esta un mosaico de mayores proporciones que se integra y dialoga con ascensor público de la rue Jean Antoine de Baïf. Es Space Invader que despega, aunque este ascensor no despega muy a menudo… También puedes encontrar algunos otros pequeños Invaders en el vecindario… Existe una App para casarles todos ¡Salid vuestros teléfonos!

También está Cali O, un recién llegado al vecindario. Es un artista londinense que pega pequeños robots en mosaicos sobre el modelo de Invasor.
Otro mosaiquista, Sr. Djoul… que crea una invasión extraterrestre con sus pequeños aliens que nos sorprenden por todo París.
Y, antes de terminar, Shadee K que empezó a dibujar en los Frigos y ahora pega sus lindos ositos de peluche rosados por todo el vecindario, mostrando a veces sus dientes un poco…

Y luego están los bien escondidos pájaros de Gilbert Coqalane de papel de aluminio, situado en la parte superior de las farolas de la calle Hélène Brion, en las inmediaciones de la Galería Mathgoth que lo acompaña. He oído que hay otros bestialus de todo tipo en el vecindario! Enviadnos fotos de los que habéis visto!

Espero que este artículo os haya dado ganas de descubrir este barrio y, por supuesto, hay otros artículos en curso sobre el 13! Y si os interesa los proyectos de arquitectura y urbanismo de Paris Rive Gauche, no dudad en pasar por la Maison des Projets de la SEMAPA en los muelles frente a la Escuela de Arquitectura de Paris Val de Seine. Algunas pequeñas obras están escondidas allí…

Si os surge una repentina pasión por el arte callejero y queréis ir a la caza del tesoro en París y en otros lugares, hemos preparado un artículo especial para ayudaros a descubrir quién está detrás de las obras que encontraréis en vuestro paseos!

Por cierto, el esqueleto de ROA es un gato

L’article <p class="has-medium-font-size">Un barrio en construcción: París Rive Gauche est apparu en premier sur Invisible Walls.